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Music in Colonial Mexico

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Javier Marin Lopez
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Este volumen, «Versos sueltos de Miserere mei, Deus a una y dos voces», incluye nueve obras de Ignacio Jerusalem basadas en versos del salmo penitencial homónimo. Exquisitas en detalles, estas atractivas piezas en forma de aria musicalizan el texto latino de manera pausada, ornamentando las palabras importantes e intercalando secciones vocales con pasajes instrumentales. Un punto culminante de la colección es el recientemente identificado Ecce enim veritatem de Jerusalem con partes de violín y violonchelo obligado, pieza que contiene la escritura a dúo para violín y violonchelo más avanzada del repertorio colonial. Cada una de estas piezas puede interpretarse de forma independiente, o agruparse según se desee. // This volume, "Stand-alone Verses of Miserere mei, Deus for One and Two Voices" includes nine works by Ignacio Jerusalem based upon verses of the eponymous penitential psalm. Exquisite in detail, these attractive, aria-like pieces take a leisurely approach to the Latin text, ornamenting important words and interspersing the vocal sections with instrumental passages. A highlight of the collection is Jerusalem’s recently identified Ecce enim veritatem with obbligato violin and cello parts, a piece that contains the most advanced duet writing for violin and cello known in the colonial repertoire. Each of these pieces can be performed independently, or grouped together as desired.
Javier Marin Lopez
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El siglo XVI asistió a una eclosión en lo relativo a la publicación de manuales de doctrina, catecismos y cartillas que tenían por objeto adoctrinar a los neófitos e introducirlos en los saberes cristianos. Predicadores y misioneros como Juan de Ávila (1499/1500-1569) sabían que la música era, desde antiguo, una de las herramientas de catequización más efectivas y poderosas por cuanto ayudaba a fijar en la memoria los nuevos preceptos por medio de sencillos procedimientos mnemotécnicos. Aunque la enseñanza de la doctrina cristiana a través del canto está ampliamente documentada por diversidad de fuentes, apenas han quedado vestigios de las melodías concretas que se utilizaban: la práctica se movía en el terreno de la oralidad y la inmensa mayoría de las cartillas no incluían notación musical. A partir del caso concreto de la "Doctrina cristiana que se canta" atribuida al citado Ávila (uno de los libros catequéticos de mayor repercusión en el siglo XVI) y de otros catecismos coetáneos, se propondrán algunas hipótesis sobre qué partes de la doctrina pudieron cantarse, qué melodías pudieron emplearse y en qué contextos. Para ello se tendrán en cuenta los distintos procesos de evangelización que tuvieron lugar tanto en Castilla como en las Indias, donde consta la activa presencia de varios discípulos de Ávila y la temprana introducción de la enseñanza cantada de la doctrina, si bien adaptada a unas especiales condiciones misioneras.
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This contribution presents three recording projects whose repertoires—copied in books of polyphony or de facistol—exemplify not only the processes of musical exchange between Spain and the New World during the sixteenth and seventeenth centuries, but also the dialogues between musicology and performance. The three recent recordings are dedicated to the masses of Sevillian Alonso Lobo (1555-1617), the masses and motets of the criollo Francisco López Capillas (1614-1674) and the music for ministriles contained in the Ms 19 of Puebla Cathedral (Mexico), polyphonies all shared by both worlds. The article describes in detail the interest, content and performing proposals offered in each case, which is divergent despite the similarity of repertoires. The text stresses the great variability of practices, the impossibility of knowing and reconstructing key aspects of the resulting sound, and underlines the need to find solutions of compromise between the respect for certain conventions of the past, the interests of the ensembles themselves (and also those of the musicologist), and the listening habits of today’s listeners. All this suggests that, in the face of the already old term of authenticity, which presupposes a neutral and timeless character of performance, the concept of verisimilitude (in the sense of what appears to be true or credible) can contribute to the development of a more flexible framework for developing interpretive proposals in colonial music in the twenty-first century.
Javier Marin Lopez
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“Polyphonie de l'Assomption à la Cathédrale de Mexico: tradition et survivance”. Notas musicológicas para el CD Trésors des cathédrales. Nouvelle-Espagne XVIIe s. Vox Cantoris, Jean-Christophe Candau, director. Psalmus, PSAL036, Burdeos (Francia), 2020, pp. 8-10 (francés), pp. 11-13 (inglés) y pp. 14-16 (español). // En 1667, l’intérieur de la Cathédrale de Mexico fut achevé et celle-ci fut consacrée la même année sous le patronage de Notre Dame de L’Assomption. Les archives musicales, qui comptent un peu plus de 5000 oeuvres du XVIe au XXe siècle, sont conservées à part égales entre la Cathédrale et le Musée de Tepotzotlan. C’est ce dernier, dans le cadre de son festival de musique ancienne, qui a commandé ce nouveau programme à l’ensemble Vox Cantoris autour de la fête de l’Assomption qui est donc la plus importante de la cathédrale.
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One of the great challenges facing Latin American musics research and teaching is its link with digital musicology, a subfield of the so-called Digital Humanities that links musicological work with digital technology from the broadest possible perspective. This implies both formal and conceptual changes, as it includes not only the transformation in digital format of traditional research from historical musicology, ethnomusicology and systematic musicology (the three classical theoretical spaces of the discipline), but also new methods related to the treatment and digital coding of historical documents, scores and large-scale audio or video files, processed as metadata. International musicology has been developing digital projects of different types, but its development in Latin American (and also Iberian) musicology is incipient. This article explores the scope, limits and possibilities of application of some of these international projects in the hope that they can serve as inspiration and encouragement for the growth of similar initiatives focused on Latin American musics. Keywords: digital revolution, information and communication technologies, research and teaching, Digital Humanities, digital musicology, Latin America, Iberia.
Javier Marin Lopez
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Reseña de Zoila LAPIQUE et al., Música de salón en publicaciones periódicas de La Habana, 1829-1867. Libro primero. La Habana, Ediciones Cidmuc, 2017 [ISBN 978-959-7216-69-8; 305 pp.] + Franchesca PERDIGÓN, Música de salón. Santiago de Cuba, siglo XIX. Danzas para piano. La Habana, Ediciones Cidmuc, 2015 [ISBN 978-959-7216-43-8; 204 pp.] + doble CD Música de salón. La Habana y Santiago de Cuba, siglo XIX (La Habana, Producciones Colibrí y La Ceiba, 2019 [Serie Roldán, CD654].
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La transcripción que en 1924 hace Manuel M. Ponce (1882-1948) del villancico ¡Ay, qué dolor! (1701), de Antonio de Salazar (ca. 1650-1715), invita a profundizar en un tema virtualmente desconocido: el desarrollo en México de los sucesivos revivals que, al calor de los historicismos de fines del siglo XIX, permitieron la recuperación de repertorios y autores olvidados, en lo que parece adelantarse a los intereses que tendrán años más tarde Gabriel Saldívar (1909-1980), Jesús Estrada (1898-1980), Miguel Bernal Jiménez (1910-1956) y Robert Stevenson (1916-2012). En este trabajo se hace un breve recuento de la trayectoria Antonio de Salazar y se desarrolla el surgimiento y peculiaridades devocionales de los villancicos a San Pedro en la Catedral Metropolitana durante los siglos XVII y XVII. A partir de la transcripción hecha por Ponce, se establece una sucinta revisión de algunos eventos relevantes en la vida cultural y religiosa mexicana (tales como el Congreso Nacional Eclesiástico de 1924, el primer Congreso Nacional de Música de 1926 o el inicio de la Guerra cristera en ese mismo año), y su incidencia en las formas de concepción, creación y preservación de la cultura. El presente ensayo plantea la hipótesis de que la transcripción de Ponce de un villancico barroco constituye una metáfora del fin de una era y el último gesto de un México musical cargado todavía de una cotidianidad religiosa, pero que cede paso a otra era de marcada vocación laica que emerge con la Revolución. // The Manuel M. Ponce’s transcription (1924) of the villancico ¡Ay, qué dolor! (1701) by Antonio de Salazar (ca. 1650-1715) offers an opportunity to construct a deeper research over a subject still mainly unknown: the development in Mexico of consecutives revivals that, since the end of the 19th century, allowed the recovery of forgotten authors and repertories, in what seems to anticipate the interest and the work developed, some years later, by Gabriel Saldívar (1909-1980), Jesús Estrada (1898-1980), Miguel Bernal Jiménez (1910-1956) and Robert Stevenson (1916-2012). This essay presents a succinct account of Salazar’s musical trajectory and outlines the origin and devotional peculiarities of the villanicos for San Pedro in the Metropolitan Cathedral during the seventeeth and eighteenth centuries. From the transcription prepared by Ponce, a brief review of some relevant events from 1924 to 1929 (as the Ecclesiastic National Congress (1924), the First National Musical Congress (1926) or the beginning of the Cristero War this last year) is offered, trying to define their influence in the way that music was conceived, preserved and created. This essay raises the hypothesis that Ponce’s transcription of a Baroque villancico constitutes a metaphor of the end of an era, and the last gesture of a musical Mexico closer to a daily religious practice, and the beginning of a new period, which gives way to the secular vocation that emerges from the Revolution.
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El fenómeno de las conmemoraciones culturales siempre ha sido un terreno abonado para la producción cultural y artística del que se han valido los Estados para ofrecer interpretaciones legitimadoras e ideologizadas de la historia, articuladas en torno a las ideas de memoria, nación y progreso. El presente volumen, resultado de una triple conmemoración (el centenario de la Revolución Mexicana y la publicación de la primera historia de la música en México de Alba Herrera –1917–, por un lado; y la llegada del militar andaluz Francisco Hernández de Córdoba a la costa de la península del Yucatán –1517–, por otro), presenta una visión retrospectiva de la historia musical mexicana a lo largo de esas cuatro centurias. Frente a la rígida división cronológica impuesta por ciertas narrativas, se ofrece así una noción inclusiva, actual e informada del universo musical mexicano en toda su multiplicidad y riqueza de matices, integrando las épocas colonial e independiente como lo que realmente son: partes constitutivas de la memoria musical, histórica, cultural y política del país, con las luces y las sombras propias de cualquier otro periodo.
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Review of WAISMAN, Leonardo J. Una historia de la música colonial hispanoamericana. Buenos Aires, Gourmet Musical Ediciones, 2019. 480 pp. ISBN 9789873823244.
Javier Marin Lopez
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Este trabajo se propone estudiar la música polifónica en la Catedral de México durante el período virreinal (1521-1821) prestando especial atención a los vínculos que la institución, los músicos y los repertorios mantuvieron con la Península Ibérica. La investigación realizada parte de la premisa de que la actividad musical española e hispanoamericana de los siglos XVI al XIX debe considerarse conjuntamente, ya que los territorios españoles constituían un espacio común cuyos límites no fueron disueltos hasta bien entrado el siglo XIX. Pese a su lejanía geográfica respecto a Europa, las catedrales hispanoamericanas participaron activamente de la vida musical del Viejo Mundo. La Catedral de México formó parte de una red panhispánica de instituciones eclesiásticas que se extendía desde Nápoles hasta Manila y que compartían, pese a sus distancias geográficas y culturales, tradiciones musicales y un mismo repertorio. Como consecuencia de esta realidad histórica, resulta fundamental prestar atención a los aspectos de influencia institucional, circulación y recepción de música y músicos. El trabajo se articula en tres volúmenes, con un total de 2140 páginas. El Volumen I (xxx + 795 pp.) incluye el estudio propiamente dicho, que consta de introducción, cinco capítulos y conclusiones. El Capítulo I estudia la transferencia del modelo institucional español al Nuevo Mundo, mostrando las semejanzas y divergencias adoptadas en México con respecto al mismo. A lo largo de este Capítulo se analiza la influencia española en la normativa mexicana, en la organización litúrgico-musical, en los sistemas de provisión de plazas musicales, en la introducción de nuevos instrumentos y en las actividades que la capilla catedralicia desarrolló como colectivo; también en este Capítulo se estudia una de las características marcadamente originales de las catedrales hispanoamericanas, la presencia de músicos indios y de otras razas. El Capítulo II está dedicado a la movilidad de los músicos de la Catedral de México, e incluye tanto el estudio de los músicos de origen europeo como el estudio de la circulación dentro del virreinato novohispano. La movilidad de los músicos es un fenómeno de trascendentales consecuencias en todos los ámbitos; con las personas se transmitían las ideas y también la música, los estilos y las prácticas interpretativas. La falta de estudios de base sobre la mayor parte de las catedrales mexicanas no me ha permitido profundizar todo lo deseado en el estudio de las relaciones con otras catedrales novohispanas, un tema que podría desarrollarse en el futuro. El Capítulo III estudia la circulación de música entre Europa y el Nuevo Mundo a través del ejemplo concreto de la catedral mexicana. Junto a la producción local compuesta originalmente en México, el resto de obras que integraban el Archivo procedían de otras instituciones europeas o hispanoamericanas. Se examina cómo se transmitía la música desde el punto de vista material de uno a otro lado del Atlántico. A través de una selección de ejemplos, se estudian los diferentes patrones de difusión del repertorio musical a la Catedral de México, que podían ser distintos en función del formato en el que se copiaba la música, ya fuera en cantorales de gran tamaño, libros de polifonía o papeles sueltos. La formación del Archivo de Música de la Catedral de México, una consecuencia directa de la movilidad de los músicos y la circulación del repertorio, constituye el tema principal del Capítulo IV. En este Capítulo se estudia el Archivo no sólo como ente físico (ubicación, propiedad de los libros), sino también como fenómeno cultural con sus propios canales de formación. Durante los siglos XVI al XVIII existieron una serie de canales bien definidos que permitían a las instituciones nutrirse del repertorio necesario para sus funciones litúrgicas; la compra, la donación o el préstamo de materiales musicales entre instituciones y personas fueron algunos de ellos, y su estudio resulta determinante para avanzar en nuestra comprensión de cómo se formaban los archivos musicales en la época. Una poderosa herramienta para su reconstrucción son los inventarios y en Capítulo se incluye una discusión de los diversos inventarios de música conservados del período virreinal. El Capítulo V está dedicado a estudiar los procesos de recepción, adaptación e integración de ese repertorio foráneo. Para ello se ha tomado como ejemplo de estudio la colección de libros de polifonía de la Catedral de México, cuya variedad y dilatada cronología permite analizar qué parte de la música recibida en México se integró dentro del repertorio local de la institución a lo largo de tres centurias. Junto a una descripción general de los manuscritos y un análisis de los géneros incluidos, en este Capítulo se estudian estos procesos de adaptación a través de dos casos representativos: el ciclo himnódico y la ceremonia de difuntos. En el Volumen II (vi + 919) se presenta el Catálogo de los 22 libros de polifonía asociados a la Catedral de México. La importancia de este Catálogo es fundamental, ya que ofrece por primera vez a la comunidad científica un instrumento bibliográfico integral para el estudio de la polifonía hispanoamericana. Para la elaboración de este catálogo, que incluye 563 piezas, se ha seguido la normativa internacional de las series de RISM en materia de catalogación de fuentes musicales. Cada uno de los manuscritos aparece descrito siguiendo el modelo empleado en el Census-Catalogue, y de cada obra se presenta el íncipit musical de todas las voces, concordancias, canto llano empleado, ediciones, y grabaciones y un comentario sobre la transmisión de la obra. Tomando como eje la colección mexicana, el Catálogo presenta una visión de conjunto, ya que incluye nuevas concordancias localizadas en fuentes españolas e hispanoamericanas de los grandes polifonistas españoles, lo que permite incluir el repertorio mexicano en las discusiones generales sobre la música ibérica. La elaboración de este Catálogo obligó, en un estadio previo, a consultar e inventariar decenas de libros de polifonía y a familiarizarse con la literatura musicológica pertinente. Los detalles de los manuscritos e impresos consultados 480, repartidos en un gran número de bibliotecas y archivos, así como otras precisiones de carácter metodológico, aparecen en la Introducción al Volumen II. El Volumen III (xi + 380 pp.) incluye dos Apéndices. El primero de ellos consiste en una selección de 99 documentos inéditos procedentes de diversos archivos mexicanos y españoles y ordenados cronológicamente. Se ha creído necesario realizar esta aportación documental por varios motivos. El primero de ellos es porque la visión de la música en la catedral mexicana se sostiene básicamente sobre las investigaciones realizadas hace varias décadas por Stevenson. Muchos de los investigadores que le han sucedido se han limitado a realizar una glosa más o menos literal de sus trabajos, citando los mismos documentos, pero sin volver a consultar documentación de archivo. Por otro lado, la carencia de documentos editados sobre otras catedrales hispanoamericanas a excepción de la monumental aportación de Andrés Sas Orchassal sobre la Catedral de Lima, ha llevado a presentar una selección de materiales inéditos relacionados con los temas tratados. El Apéndice 2 contiene la edición musical de parte del Oficio de Difuntos tal y como se celebraba en la Catedral de México alrededor de 1700; la reconstrucción, integrada por 24 números, incluye tanto las partes polifónicas como las secciones monódicas y recitadas con las variantes locales, y va acompañada de un CD de audio y un DVD con la versión de concierto realizada el 7 de diciembre de 2005 en el marco del IX Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza.
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Aleph. Ego vir videns paupertatem (1762) es una de las cuatro lamentaciones compuestas por Ignacio Jerusalem (1707-1769) para la celebración de la Semana Santa en la Catedral de la Ciudad de México. Este texto emotivo y sombrío, interpretado como tercera lamentación de la liturgia del Viernes Santo, se articula en tres secciones musicales contrastantes para dos sopranos, dos violines, viola y bajo continuo. La edición incluye una partitura de estudio adicional consistente en un arreglo del siglo XIX con partes añadidas para instrumentos de viento. // Aleph. Ego vir videns paupertatem (1762) is one of four lamentation settings composed by Ignacio Jerusalem (1707-1769) for the observance of Holy Week at Mexico City Cathedral. The third lamentation from the Good Friday liturgy, this emotional and bleak text is given music in three contrasting sections scored for two sopranos, two violins, viola, and basso continuo. The edition includes an additional study score featuring a nineteenth-century arrangement of the piece with added parts for winds.
Considerado el compositor de música galante más destacado de las Américas, Ignacio Jerusalem (Lecce, Reino de Nápoles, 1707 – Ciudad de México, Virreinato de Nueva España, 1769) escribió más de doscientas cincuenta obras para voces solistas, coro y orquesta de cámara durante su periodo como maestro de capilla de la catedral de Ciudad de México a mediados del siglo XVIII. Como volumen inaugural y marco general de la serie, se ofrece una biografía actualizada en forma de cronología, una lista de obras de Jerusalem nuevamente desarrollada y una bibliografía y discografía selectas, según el conocimiento existente en 2019. // The most significant composer of galant music in the Americas, Ignacio Jerusalem (Lecce, Kingdom of Naples, 1707—Mexico City, Viceroyalty of New Spain, 1769) wrote over two hundred and fifty works for solo voices, chorus, and chamber orchestra during his tenure as chapel master of Mexico City Cathedral in the mid eighteenth century. As the inaugural publication in the series, this volume outlines the conceptual framework of the series as a whole, and offers an updated biography in the form of a chronological timeline, a newly developed list of Ignacio Jerusalem’s works, and a select bibliography and discography according to the state of knowledge in 2019.
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Ignacio Jerusalem (1707–1769) was born in Naples, worked in Spain and later New Spain (Mexico City) in the second half of the eighteenth century. He eventually held the post of Chapelmaster of the Mexico City Cathedral (1750–1769). This conference commemorates the 250th anniversary of the death of Jerusalem. Jerusalem was a prolific composer whose compositions were well distributed in New Spain during his lifetime and immediately after. To this day his works can be found in archives as far north as California and as far south as Guatemala. Jerusalem’s compositions exemplify the transition from the baroque to the galant style. We invite papers of original research on Jerusalem’s life, his music, and the artistic life of the Mexico City Cathedral in the second half of the eighteenth century. The conference is multidisciplinary and welcomes papers on recent and original research on topics of music, visual art, and architecture in New Spain during Jerusalem’s lifetime. We also invite papers discussing the intersection of the arts or papers that provide larger artistic and/or historical context of the era. Other topics of interest include sacred music in other cathedrals of New Spain during the eighteenth century; new research on Jerusalem’s contemporaries in New Spain including, but not limited to, chapelmasters Santiago Billoni, Esteban Salas, Rafael Antonio Castellanos, Manuel José Quiróz, and Antonio Juanas.
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Review of RAMOS-KITTRELL, Jesús A. Playing in the Cathedral: Music, Race, and Status in New Spain. Oxford/New York, Oxford University Press, 2016. 248 pp. ISBN 978-0190236816. Review translated by Malena Kuss.
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Tradicionalmente visto como una estética de transición entre el Barroco y el Clasicismo, el estilo galante es hoy reconocido, gracias a los estudios de D. Heartz y R. Gjerdingen (entre otros), como el principal estilo musical cultivado en Europa y también en las Américas entre 1720 y 1780. Este estilo transnacional de composición e interpretación, ejemplo de modernidad cultural y con una acusada base teatral, se gestó a través de los conservatorios del Reino de Nápoles y desde ahí fue difundido y adaptado a distintos contextos geográficos e institucionales inicialmente por músicos italianos, trasformando de manera profunda el sonido y la estética de la música practicada en iglesias, teatros y salones aristocráticos. Ignacio Jerusalem (Lecce, 1707-Ciudad de México, 1769), un progresista músico napolitano activo en Italia, España y México, contribuyó activamente a la diáspora del estilo galante y encarna de forma paradigmática el proceso recepción del nuevo estilo en el mundo ibérico en su tiple condición de compositor para el teatro y la iglesia, violinista y profesor. Aprovechando la conmemoración del 250 aniversario del fallecimiento de Jerusalem, y considerándolo un modelo útil para comprender las distintas problemáticas asociadas a la recepción del estilo, este Congreso aspira a presentar un balance de los resultados obtenidos y, al mismo tiempo, impulsar nuevos marcos teóricos y líneas de investigación en torno al desarrollo de esta matriz estilística en la Península Ibérica y la América española y portuguesa durante el “largo” siglo XVIII.
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En este 2019 se conmemora el 250 aniversario del fallecimiento de Ignacio Jerusalem [Gerusalemme] y Stella (Lecce [Reino de Nápoles], Italia, 3-VI-1707, «hora vero vigesima» – Ciudad de México, 15-XII-1769, post 8 p.m.), un versátil compositor napolitano activo en Italia, España y México en las décadas centrales del siglo XVIII. Aunque durante años Jerusalem fue condenado por la historiografía musical anti-italiana (más por características de su personalidad o cuestiones relacionadas con su desempeño profesional que por consideraciones propiamente artísticas), en las últimas décadas su figura ha sido restaurada por su extraordinaria maestría en el manejo de los recursos del estilo galante. El propósito de este texto es presentar una serie de novedades referentes a su biografía temprana que afectan a la etapa española del compositor, confirmando su estancia en la ciudad de Ceuta y reforzando sus hipotéticos vínculos con la milicia. Se retoma así una investigación dada a conocer en 2010 en una revista local de difusión cultural, ampliando ahora la batería de fuentes consultadas y analizando sus implicaciones en un marco interpretativo más amplio.
Javier Marin Lopez
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BACKGROUND Traditionally seen as a transitional style between the Baroque and Classical periods, the galant style is recognized today, thanks to the work of D. Heartz and R. Gjerdingen, among others, as the principal musical style cultivated in Europe and the Americas between 1720 and 1780. This transnational style of composition and performance, an example of cultural modernity with marked roots in the theater, developed in the conservatories of the Kingdom of Naples and from there it was disseminated to and adapted by different geographies and institutions, initially by Italian musicians, who transformed the musical aesthetics heard in churches, theaters, and aristocratic chambers in a profound way. Ignacio Jerusalem (Lecce, 1707 – Mexico City, 1769), a progressive Neapolitan musician active in Italy, Spain, and Mexico, actively contributed to the diaspora of the galant style, and through his three musical roles, he paradigmatically embodies the reception of the new style in the Iberian world: composer for the theater and the church, violinist, and teacher. Leveraging the commemoration of the 250th anniversary of Jerusalem’s death, and considering him a useful model for understanding the distinct issues associated with the reception of the galant style, this conference aims to both communicate current knowledge and inspire new theories and lines of investigation regarding aspects of stylistic development on the Iberian Peninsula and Spanish and Portuguese America during the “long” eighteenth century. In order to cover these themes, some of the most recognized specialists in galant music of Europe and the Americas will be present. In addition to these invited keynote presentations (it is confirmed violinist and conductor Fabio Biondi as speaker), free papers related to the thematic scope of the conference will also be accepted by the Scientific Committee. Paper proposals related to the following topic areas, among others, will be considered: - Ignacio Jerusalem: new findings regarding his life, work, and reception - Methodologies, historiographic problems, and sources for the study of the reception of galant music in the Iberian world - Migration of Italian musicians to the Iberian Peninsula and Spanish and Portuguese America - Circulation, reception, persistence, and transformation of imported galant repertories - Galant styles: analytic methods and formal characterization of the different generations of galant composers - Processes of circulation of galant music among the theater, church, and salon - Poetic texts and galant music: processes of literary and musical adaptation - Galant style, devotional practices, and cultural aspects - Coexistence of the galant style with traditional styles - Pedagogical methods associated with the galant style - The galant style as a performance practice Proposals for individual 20-minute papers in Spanish, English, Italian or Portuguese are welcome. The proposals must include: - Abstract (ca. 200 words) - Institutional affiliation (if applicable), brief biography (150 words), and e-mail of the author - Audiovisual requirements Abstracts should be sent to Ascensión Mazuela: amazuela@ugr.es - Deadline for the receipt of abstracts: September 1, 2019 - Date on which authors of accepted abstracts will be notified: September 15, 2019 - Official languages of the conference: Spanish, English, Italian, Portuguese We understand that some international participants may not be able to travel to Baeza for the paper presentation, mainly for financial reasons. In such cases, it will be possible to participate by video conference, as long as participants register for the conference. The conference will culminate in a series of concerts by outstanding ensembles in the field of early music, including La Europa Galante, Ignacio Prego, L’Estro d’Orfeo, Nereydas, and Teatri 35, among others (between December 6 and 8). The concerts will take place in both Úbeda and Baeza, UNESCO World Heritage Sites of great historical and artistic interest. Under the auspices of the conference will be the presentation of the first volumes in the series of musical editions “Ignacio Jerusalem (1707-1769): Obras Selectas” (Dairea Ediciones, Spain). CONFERENCE DIRECTION Javier Marín-López (Universidad de Jaén / Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza) Drew Edward Davies (Northwestern University / MUSICAT, Universidad Nacional Autónoma de México) SCIENTIFIC COMMITTEE Egberto Bermúdez (Universidad Nacional de Colombia, Bogotá) Andrea Bombi (Universitat de València) Cristina Fernandes (INET-md, Universidade Nova de Lisboa) Robert Gjerdingen (Northwestern University, Evanston, USA) Paologiovanni Maione (Conservatorio de Musica “S. Pietro a Majella”, Napoli) Evguenia Roubina (Universidad Nacional Autónoma de México) SECRETARY Ascensión Mazuela-Anguita (Universidad de Granada / Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza) ORGANIZERS - Universidad Internacional de Andalucía, Baeza (Spain) - Centro Nacional de Difusión Musical (Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, Gobierno de España) - Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza COLLABORATORS Study Group “Música Antigua y Nuevo Mundo,” International Musicological Society
Javier Marin Lopez
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The aim of this article is to contribute new information and some preliminary hypothesis about the musical patronage of the Novohispanic nobility in mid-18th century using as case of study the creole Miguel de Berrio y Zaldívar, Marquess of the Jaral and Count of San Mateo of Valparaíso. Owner of extensive haciendas in the center of the viceroyalty, Berrio became famous for the musical soirees that took place in his palace of Mexico city, taking part himself as violinist; additionally, he favored musicians as Ignacio Jerusalem and gathered one of the most impressive particular collections of scores and musical instruments of the continent. An isolated example does not allow to extract general conclusions on the musical profile of the Novohispanic nobility, but in case of Berrio it seems that his musical interest not only was a way of entertainment and autopromotion, but part of his aristocratic identity. In the light of all this I conclude that, in spite of the specificities of the social fabric in colonial Mexico, as well as of its practices and artistic representations, the supposed lack of interest for the music of the urban colonial elites must be reconsidered. // El propósito de este artículo es aportar nueva información y algunas hipótesis preliminares sobre el mecenazgo musical de la nobleza novohispana a mediados del siglo XVIII usando como caso de estudio al criollo Miguel de Berrio y Zaldívar, Marqués del Jaral y Conde San Mateo de Valparaíso. Propietario de extensas haciendas en el centro del virreinato, Berrio se hizo famoso por las tertulias musicales que tenían lugar en su palacio de la ciudad de México, en las que él mismo participaba como violinista; adicionalmente, favoreció a músicos como Ignacio Jerusalem y reunió una de las más imponentes colecciones particulares de partituras e instrumentos musicales de todo el continente. Aunque un ejemplo aislado no permite extraer conclusiones generales sobre el perfil musical de la nobleza novohispana, en el caso de Berrio parece que su afición musical no sólo era una forma de entretenimiento y autopromoción, sino parte de su identidad aristocrática. A la luz de todo lo anterior concluyo que, pese a las especificidades del tejido social del México colonial, así como de sus prácticas y representaciones artísticas, la supuesta falta de interés por la música de las élites urbanas coloniales debe ser reconsiderada.
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Este trabajo analiza, desde la perspectiva musicológica, un corpus poético vinculado al palacio virreinal de México e integrado por cuatro textos de la monja jerónima Sor Juanas Inés de la Cruz en los que la música adquiere un reseñable protagonismo: un romance (núm. 21) escrito para la condesa de Paredes, que es una suerte de compendio de conceptos teórico-musicales; un soneto (núm. 198) en el que alaba el acierto de un desconocido pero primoroso músico; una redondilla (núm. 87), en la que ensalza, a través de logradas metáforas musicales, la hermosura de Feliciana, equiparada con un instrumento; y, dentro del género músico-teatral, una loa palatina (núm. 384) para festejar el cumpleaños de la condesa de Galve, cuyos personajes son la Música misma y las notas musicales. En estos textos, la música es presentada desde una doble perspectiva: por un lado, en su vertiente teórica y metafísica, como materia especulativa y, por otro, en su dimensión práctica, como trasunto terrenal de la primera, estableciendo entre ambas un complejo sistema de relaciones y correspondencias. El trabajo incorpora como apéndice un glosario con definiciones de los más de 130 términos musicales presentes en esos cuatro textos, que consideramos de utilidad para los sorjuanistas. Aunque realizado desde la musicología, el trabajo se enfoca a investigadores de otros campos, con el propósito de introducirlos en el universo musical de la monja jerónima de una forma amena y comprensible, evitando tecnicismos en la medida posible.
Javier Marin Lopez
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En 2017 se cumplen 250 años de la promulgación del Fuero de Población y fundación de las Nuevas Poblaciones de Sierra Morena y Andalucía, dado por Real Cédula de S.M. el Rey Carlos III de España el 5 de julio de 1767. Se ponía así en marcha uno de los proyectos más ambiciosos para llevar a la práctica las reformas políticas, económicas y sociales que se postulaban desde la Corte por los ministros e ilustrados españoles para sacar a la nación de la decadente situación en la que se encontraba a principios del siglo XVIII mediante el fomento de la agricultura, la industria y el comercio. Nuevos pueblos, perfectamente planificados, con una ordenación urbanística y territorial totalmente funcional aplicada al fomento de modernos sistemas de producción, y creados para ser modelo por el que se irradiasen las reformas y los aires de modernidad que traía consigo el Siglo de las Luces. Tras la experiencia acumulada en los ocho congresos sobre Nuevas Poblaciones celebrados entre 1983 y 2012 y teniendo en cuenta la ocasión especial que brinda este 250 Aniversario del Fuero de las Nuevas Poblaciones, se propone a la comunidad científica la celebración de un Congreso Internacional que permita profundizar en los orígenes y singularidades de esta iniciativa ilustrada para establecer una sociedad agraria modelo en el sur de España. Los objetivos de este encuentro serán los de profundizar en el fenómeno de las colonizaciones agrarias en la Europa del siglo XVIII, con especial atención a las Nuevas Poblaciones de Sierra Morena y Andalucía; analizar las disposiciones normativas que les dieron origen; estudiar los movimientos migratorios de colonización, tanto a nivel interno en cada país como de carácter internacional; conocer la praxis de estas iniciativas a través del devenir de sus protagonistas; ahondar en el urbanismo colonial, la ocupación del territorio y las manifestaciones artísticas; abordar el papel de la mujer y la unidad familiar en la sociedad colonial; el impacto y repercusión que despertaron en los estamentos y la sociedad en general; así como la trascendencia política, social y cultural del fenómeno colonizador.
Javier Marin Lopez
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This article revises a conviction strongly established in the traditional historiography of colonial music, according to which eighteenth-century Spanish American nobility, mostly integrated by Creole bureaucrats, miners, and merchants of low intellectual profile, neither had artistic interests nor promoted the performance of chamber music in the domestic milieu, by contrast with what happened with its European counterpart. This assumed lack of interest, a result of equating the supposed lack of sources with the absence of practice, is based on the assumption that music making did not represent any social value for the imaginary of the privileged estate. By means of the examination of unpublished sources and a review of previous publications related to the daily life and the material culture of these urban elites, this work contributes evidence that points toward a diametrically opposed phenomenon that allows us to reconsider the role and significance that music making had for this social group.
In 1917, the Political Constitution of the United Mexican States—still in force today—was promulgated. That year also witnessed the publication of the first history of music in Mexico: El arte musical en México by Alba Herrera y Ogazón. The year 1917 is, therefore, not only the starting point of a new Mexican constitutionalism but also that of the nascent historiography of Mexican music. In addition, it is a point of arrival that allows us to pose, in contrast to traditional historical narratives, a retrospective view of Mexican music from that time back to 1517, when the expedition of the Andalusian conquistador Francisco Hernández de Córdoba reached the coast of the Yucatan Peninsula. The commemoration of both centenaries is an opportunity to reflect critically on the history of music in creole New Spain and independent Mexico, its practices, actors and discourses, their common elements and their differential characteristics in the broader framework of the musical traditions of Iberia and the Americas. At the same time, the conference aims to promote new perspectives of study in relation to Mexican music from three current paradigms: postcolonial criticism, performance studies and digital musicology. Attention will be paid to the following topics, among others: - musicology and historiography: past, present and future - problems of periodization, canon and historical subject - creolism, cosmopolitanism, nationalism and avant-garde - models of patronage and spaces of musical socialization - sources, genres and iconographic traditions - interrelations between erudite and popular music - processes of circulation to-from-in Mexico: music, musicians, instruments, musical and choreographic practices - Mexico and the Iberian and American world: musical traditions in other contexts - colonialism and postcolonialism: interdisciplinary challenges and colonial imaginaries in the 19th and 20th centuries - performance studies: history of interpretation; discology and recording practices; historically informed performance; experimentation, embodiment, improvisation, and arrangements; concert programming; analysis and performance - Mexican music and digital technology: electronic repositories, digitization of documentary sources, scores and recordings, metadata retrieval (MusicXML, OCR), computational processing and analysis possibilities The conference will serve as the first academic meeting of the newly formed Study Group “Music and (Latin)American Studies” (MUSAM) of the Spanish Society of Musicology, which brings together Americanist musicologists from this scientific community. It will culminate in a series of concerts by outstanding ensembles in the field of early music, such as (among others) Il Giardino Armonico, Vandalia, Concerto 1700, Soloists of the Seville Baroque Orchestra, La Fontegara, Capella Prolationum & La Danserye, and Forma Antiqva (from 6 to 9 December). The concerts will take place in venues of historical and artistic interest in Úbeda and Baeza, World Heritage cities, within the framework of the XXI Early Music Festival of Úbeda & Baeza.
Javier Marin Lopez
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Among the mosaic of institutions that the Spanish clergy implanted in the New World to spread Christianity, the confraternities or brotherhoods developed an important role as pious and charitable associations under a religious advocation and with an important role in urban public life. One of the few musicians’ confraternity known in New Spain was the congregation of Nuestra Señora de la Antigua of Mexico Cathedral, founded by the Peninsular composer Fabián Pérez Ximeno in the 1640s. Based on the information from the constitutions and relevant bibliography, this article examines the foundational context and the functioning of this congregation, as well as the way in which the group of cathedral musicians managed to cohesion professionally and to project its Peninsular identity through Marian devotion. // Dentro del mosaico de instituciones que el clero español implantó en el Nuevo Mundo para propagar la cristiandad ocuparon un rol destacado las cofradías o congregaciones, unas asociaciones piadosas y benéficas fundadas bajo una advocación religiosa que jugaron un destacado papel en la vida pública. Una de las escasas cofradías de músicos conocidas en Nueva España fue la congregación de Nuestra Señora de la Antigua de la Catedral de México, fundada a instancias del compositor español Fabián Pérez Ximeno en la década de 1640. A partir de la información de las constituciones y de la bibliografía pertinente, el presente trabajo analiza el contexto fundacional y el funcionamiento de esta congregación, así como la manera en que el colectivo de músicos de la catedral logró cohesionarse profesionalmente y proyectar su identidad peninsular a través de una devoción mariana.
Javier Marin Lopez
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XV Aniversario del SEMINARIO DE MÚSICA EN LA NUEVA ESPAÑA Y EL MÉXICO INDEPENDIENTE y del sistema Musicat en el marco del X Aniversario de la inscripción en la lista del patrimonio mundial del Campus Central de la Ciudad Universitaria de la UNAM
Javier Marin Lopez
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El trabajo que presentamos a continuación busca reivindicar al cuerpo de los capellanes de coro como un colectivo musical de primera importancia en el ámbito de una catedral, aportando algunas evidencias sobre su régimen y actividad cotidiana en la Catedral de México. Asimismo, y frente a la aparente esterilidad creativa del colectivo, se presentan dos casos de estudio de capellanes-compositores, Manuel Acevedo (1719-1784/92) y Vicente Gómez (1754/55-1830), de los que se informa sobre sus perfiles profesionales y se analizan y editan en transcripción moderna dos Gloria-Credo en canto mixto (o figurado), de creación propia, localizados en un cantoral de la Catedral Metropolitana. Ello permite avanzar sobre otro asunto de gran interés que amerita una mayor investigación: la ampliación del repertorio de canto llano por medio de la composición de nuevas piezas, superando así la visión tradicional del gregoriano como repertorio inmutable, cerrado y conservador.