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“Hommage au Japon” es el título elegido por el arquitecto noruego Sverre Fehn para publicar en 1964 su primera vivienda unifamiliar construida, la Villa Schreiner, que con el tiempo se convertiría en un edificio icónico en su obra. Tras el singular eslogan, no menos escueto, y la descripción que lo acompaña, igualmente sucinta, es posible rastrear un amplio abanico de nexos que convergen en el proyecto. La evolución que muestran los planos originales consignados en el Nasjonalmuseet de Oslo evidencia que su raíz orientalista no es tan clara en origen y, sin embargo, sí se nutre de la modernidad que emana de la obra de Mies van der Rohe o de Le Corbusier, autores de referencia para el arquitecto nórdico. Sus intereses se filtran a través de la experiencia formativa vivida junto a Jean Prouvé y, gracias a sus vínculos con el grupo PAGON (Progresive Architects´ Group of Oslo, Norway), devienen en una obra cargada de un elocuente sincretismo moderno, pues no busca tanto planteamientos estéticos orientalistas, como integrar lo inmanente, internacional y local, en una respuesta contemporánea.

El artículo presenta cómo el Instituto de Arquitectos de Brasil (IAB) participó en los procesos de elaboración de políticas públicas de vivienda en Brasil en la década de 1960 utilizando como fuente principal informes de las revistas especializadas Guanabara (1961-1962) y Arquitetura (1962-1968). También intentamos demonstrar la hipótesis de que la instalación del régimen militar en Brasil llevó a la eliminación de los arquitectos del IAB de los procesos de toma de decisiones de las políticas de vivienda, una práctica que el Instituto había contruido y en la que había profundizado en los gobiernos anteriores al golpe de 1964.

Tres obras emblemáticas de Reino Unido, Argentina y Chile expresan distintos intereses proyectados sobre un mismo territorio antártico. Una corresponde a la Estación Halley VI, en el límite oriental de la reclamación británica. Otra es la utópica “primera ciudad en la Antártida”, imaginada en las cercanías del aeródromo argentino de Marambio, en el extremo norte de la Península Antártica. La tercera es el Centro Antártico Internacional, un edi cio polifuncional para potenciar el rol de Punta Arenas como ciudad de cabecera, puerta de entrada al continente blanco. Las tres fueron concebidas como nodos de redes urbanísticas, superpuestas y aparentemente análogas, articuladas en torno a estaciones de investigación, nodos logísticos y ciudades de cabecera en territorios nacionales próximos. Sin embargo, la selección de cuáles debiesen convertirse en obras icónicas muestra discursos de a rmación diferentes y conduce a preguntarse cómo arquitectura y políticas territoriales interactuaron con el contexto general de la superposición de intereses enfrentados, de las normas que los regulan y los imaginarios que las inspiran; dinámicas que di eren en relación a distintas concepciones de unidad territorial y a diferentes maneras de interpretar la idea del continente como espacio de cooperación concordada por el Tratado Antártico (1961) y materializada por las acciones de cada uno de sus países miembros.

In September 1963 a competition call for the Colegio Mayor Argentino Nuestra Señora de Luján was launched to accommodate Argentinian students in the Ciudad Universitaria de Madrid. The winning project was by the married couple Horacio Baliero and Carmen Córdova from Buenos Aires. Their proposal, as the rest of the entries, all from Argentina, was drawn from a few photographs and a site plan, but it was designed from its adaptation to the traces of the site. However, it was during a second stage, and the stay in the Iberian Peninsula, when Baliero and Córdova would end up rediscovering the site and its nature in its physical, social and cultural dimensions. The article proposes to reflect on the site and its inhabited condition through the journey by Baliero and Córdova with the written legacy published decades later by Baliero entitled “Arquitectura: la mirada desde el margen” (Architecture: the Look from the Margin). The article will show the work by Baliero and Córdova as a crossroads of tangible and intangible, variable and invariable, and illusory and real perceptions, unlike a simple visual or drawn approach. Under this point of view, it will be shown how much of the architects' intuition and craft was able to successfully supply a direct experience of the place and how much it was modified after a first idealized and intellectualized vision.

Los efectos sociales de la materialización de la Carta de Atenas (1933) durante la posguerra fueron cuestionados por la siguiente generación de arquitectos, planteando conceptos como asociación, movilidad, identidad o crecimiento, distanciándose de la recurrente sectorización funcional. Esa crítica generó en Francia experimentos alternativos al bloque lineal y la torre con los que se habían reconstruido las ciudades durante los Treinta Gloriosos años. Este artículo analiza conjuntamente tres complejos construidos por Jean Renaudie para la renovación urbana del barrio parisino de Ivry-sur Seine —Danielle Casanova (1970-1972), Jeanne Hachette (1970-1975) y Jean-Baptiste-Clément (1973-1975)–. El análisis de la hibridación programática llevada a cabo con la combinación de una gran diversidad tipológica de viviendas junto a equipamientos culturales, educativos y comerciales se identificará con un pensamiento arquitectónico jalonado de influencias multidisciplinares, derivadas del paisaje cultural de Mayo del 68. El concepto político y filosófico de cohesión social, complementado con el deseo de traducir arquitectónicamente el orden biológico de la naturaleza, permitirá comprender su desafío teórico. Las ideas de propuestas utópicas previas, reelaboradas en proyectos posteriores, situarán aquella arquitectura en el punto de inflexión de una trayectoria que legitimaba la complejidad frente a cualquier tipo de homogeneidad.

En la obra que realizó Juan Navarro Baldeweg en los primeros años de su trayectoria, durante su estancia en el Center for Advanced Visual Studies (CAVS) del Massachussets Institute of Technology (MIT), entre 1971 y 1975, se encuentran implícitos los principios que han guiado su modo de trabajar a lo largo de su vida. Con el n de aportar algo más de luz sobre su obra temprana, el artículo plantea el análisis de la colección de obras, piezas y objetos cotidianos presentes en el estudio que ocupó en el CAVS durante aquellos años. Todas ellas constituyen el registro de su espacio imaginario, un ámbito mental propio del artista en el que se gestan las obras y donde se recogen sus referencias e intereses. Así, su estudio de trabajo se concibe como un pasaje, un ámbito de transición entre su espacio imaginario o de ideación y el medio físico sobre el que proyecta su obra, aportando una información valiosísima para profundizar sobre los presupuestos artísticos que guiaron su trabajo en esta primera etapa de su trayectoria profesional.

En el año 1975, Juan Navarro Baldeweg presentó en la sala de exposiciones del Center for Advanced Visual Studies (CAVS) del Massachusetts Institute of Technology (MIT) la instalación Interior IV (1975), en la que manifestaba de modo evidente la necesidad de plasmar la huella del cuerpo en el ámbito de una habitación vacía, a través de la superposición de unos trazos realizados de manera manual sobre las paredes de la sala. Tras una serie de exposiciones centradas en la activación del medio ambiente, a partir de variables como la luz o la gravedad, en esta instalación se apreciaba una inclinación explícita hacia la manifestación de lo corporal, estableciéndose un punto de inflexión hacia intervenciones sobre el medio ambiente que emanasen del propio cuerpo y que surgiesen de su propia gestualidad, como manifestación de lo individual y lo orgánico. A partir de aquel momento, la exploración de esta nueva variable se convertiría en una constante en su trayectoria profesional. Un estudio de esta instalación nos puede llevar a una mayor comprensión de los fundamentos del universo artístico de este creador y de algunas de las motivaciones que han guiado su trabajo desde aquel entonces.

La relación entre la producción de debates arquitectónicos y la implementación del modelo neoliberal, dada en Chile a finales de los años setenta, es especialmente relevante de analizar, considerando que los vectores de la implementación temprana del modelo neoliberal –tales como las políticas orientadas a la desregulación del mercado, la reducción del Estado y el debilitamiento de las organizaciones civiles– encontraron en el espacio urbano un recurso clave. La creación de un “urbanismo neoliberal”, entendido como un proceso político de amplias y violentas transformaciones culturales, afectó directamente a la práctica profesional del arquitecto, debilitando su papel público y transformando la percepción social de su ejercicio profesional. En este contexto, el presente artículo explora cómo cambiaron los debates profesionales y pedagógicos de la arquitectura, en relación con las transformaciones culturales impuestas por el neoliberalismo en Chile. Para ello, se enfoca en el proceso de constitución y en los resultados de las primeras cuatro versiones de la Bienal de Arquitectura, una esfera pública sustituta –al ser desarrollada en el contexto de una dictadura cívico-militar–, donde el conflicto entre una práctica profesional de interés social y una práctica profesional orientada al mercado, puede estudiarse a partir del registro que las bienales ofrecen del encuentro entre discurso arquitectónico, políticas públicas, proyectos pedagógicos y marcos conceptuales de la arquitectura.

Este ensayo pretende discutir las ideas que inspiraron la vuelta al “dibujo académico” en las Escuelas de Arquitectura españolas en los años setenta y ochenta, así como las contradicciones en las que este proyecto académico incurriría. No se ahondará una vez más en las distintas teorías del dibujo, la percepción, la creatividad o el proyecto que tanto abundaron en aquellos años, ni tampoco se intentará un relato detallado sobre el inicio de los Departamentos de Expresión Gráfica y sus protagonistas. Lo que se pretende investigar son la causas, diversas y contradictorias, que impulsaron este protagonismo del dibujo en las Escuelas de Arquitectura españolas, que pronto se extendería a la producción arquitectónica. Para ello, este ensayo se situará más allá de los aspectos meramente gráficos del dibujo, para establecer una reflexión sobre la propia disciplina, la figura profesional, la transmisión del conocimiento arquitectónico, así como sobre el papel protagonista que jugaron las escuelas en el contexto arquitectónico del último cuarto del siglo XX.

La historiografía de la arquitectura moderna latinoamericana ha avanzado de manera constante en los últimos años, lo que nos lleva a la revisión crítica de las obras inventariadas. En el Perú, la interpretación de estas obras aún es escasa, pero muestra nuevas dimensiones en el entendimiento de la producción arquitectónica local. En este contexto, el Agrupamiento Chabuca Granda, un multifamiliar proyectado en Lima por el arquitecto peruano José García Bryce, aparece como una obra clave en la comprensión de una arquitectura que apela al posmodernismo como herramienta expresiva e incorpora nuevas influencias en el imaginario local. El estudio del proyecto tiene como objetivo presentar al posmodernismo como clave de lectura en el reconocimiento de una arquitectura peruana mestiza y rica de contenidos. Esta obra ejemplifica la complejidad de las relaciones de identidad al reinterpretar un lenguaje historicista, colonial-republicano, en un proceso de sincretismo que es propio de la cultura peruana. El discurso se posiciona con una narrativa conciliadora entre épocas y estilos y nos permite descubrir, a través de la obra, que posmodernismo y sincretismo son dos caras de una misma moneda, enriqueciendo el entendimiento de la cultura peruana contemporánea y su materialización arquitectónica.

Las bienales de arquitectura, herederas de las exhibiciones de arte, son desa adas en el s. XXI a encontrarse con las audiencias. Titularlas de ciudadanas no es su ciente, y la propuesta de la última bienal de arquitectura chilena se replanteó en formato y fondo este desafío, aproximándose a partir de metodologías de trabajo participativo que derivaron en el descubrimiento de códigos, dinámicas, relaciones y escenarios. La comprensión preliminar del barrio se mani esta en el lenguaje temporal adoptado que, gracias a una serie de artefactos móviles, permite la multiplicidad de acontecimientos en lugar de una muestra estática. Salir a la calle a presentar arquitectura que aborda problemas comunes y cotidianos es un gesto de apertura sin precedentes en Chile, sin embargo, su puesta en escena derivó en un enroque de roles; la exhibición se volvió accidental, mientras el barrio y su comunidad se transformaron en objeto de interés. La bienal, subordinada a las leyes del lugar, se tropezó con un contexto sociopolítico complejo que nalmente reveló una inusitada apropiación y resigni cación de los soportes y contenidos del evento.

Con la intención de rescatar y revalorizar espacios abandonados y ruinas modernas, repensando la relación entre lugar y memoria, se propone la idea de anti-monumento, que intenta responder a la necesidad actual de posicionarse de una manera diferente ante los paisajes de la contemporaneidad. Los anti-monumentos son las “nuevas ruinas”, estructuras abandonadas que quedan obsoletas debido a su disfuncionalidad con el paso del tiempo. La mudanza en los sistemas sociales y de producción y la crisis económica de nuestro tiempo produce la proliferación de estos espacios singulares, paradoxales y cargados de significados, pero que funcionan de manera opuesta al monumento, deconstruyendo la idea del mismo. Al contrario que un monumento, que evoca un tiempo pasado, el anti-monumento es más bien el reflejo de un –apocalíptico– proceso futuro. En el anti-monumento el tiempo y la memoria se reinterpretan conforme a los nuevos códigos de lectura del lenguaje contemporáneo. Mientras que la memoria del monumento refiere a un ideal y/o una utopía formada por el imaginario de los grandes acontecimientos de la civilización, en el anti-monumento forma parte de la constatación de lo real, de la mortalidad, de una distopía que eventualmente prefiguraría el colapso de los sistemas sociales y económicos contemporáneos.

La siguiente investigación se realizó en base al componente del andamio denominado como abrazadera giratoria. Desde el año 1914, esta unión ha tenido un desarrollo tecnológico en relación con sus patentes de fabricación y su evolución a través del tiempo. La investigación que desarrolla este artículo se ha basado en la práctica, como un método de acercamiento para constituir un vínculo entre la tecnología y la producción del espacio en red del andamio. Esta relación contiene un potencial socio político ligado a las posibilidades que el nudo es capaz de producir en la red. La primera unión de abrazadera giratoria, patentada en 1939, permitió el montaje libre de una red tal como lo haría el andamio en base al nudo de cuerda. El abordaje de un tipo de pensamiento arquitectónico en red ha caracterizado los proyectos de vanguardia del arte y la arquitectura entre las décadas de los años 50s y 90s. El entramado que conforma la abrazadera giratoria se adelanta a la tecnología que utilizaron algunos proyectos de vanguardia, produciendo una incubadora revolucionaria capaz de materializar los deseos asociados a los imaginarios de utopía en la segunda mitad del siglo XX.

The text establishes relationships between painting and architecture in the architectural space. The writing creates links between space designed by Josep Lluís Sert and painting activity that Joan Miró performed in the building Son Abrines in Mallorca. One of the reasons why painting in Europe is shaped by itself, from Giotto to Picasso for example, is the relationship between space and use that canvas itself shows. Any painting of the time comes to present the mystery of an event by a pictorial content. Relations between space and use represented are the reason that often led the painter to develop a picture. In the case the study designed by Sert for Miró, the motive for research is to combine the work space and the space of painting from an interpretation to the painting without leaving the space which is gestated. The purpose is to reveal or display the contents of two distinctive programs of the twentieth century: housing and paint shop, from a concrete analysis environment Joan Miró and Josep Lluís Sert.

En la profunda comprensión del contexto es donde Comte/Meuwly encuentran los elementos que desencadenan el proyecto y también identifican los aspectos a potenciar, o en sus palabras, amplificar un lugar. En esta conversación nos presentan de qué manera esta joven oficina Suiza fundada en 2017 por Adrien Comte y Adrien Meuwly, logra un fuerte vínculo con el lugar, desde el sitio del proyecto hasta el espacio de trabajo, con una constante reflexión sobre cómo definir y redefinir la pregunta correcta. Donde la idea de proyecto no es el producto final sino el proceso completo del desarrollo de este.

This paper present the first stage of research “Adaptative Acoustic Prototype –for multifunctional spaces–”, developed at the School of Architecture of de University of Santiago de Chile. The main has been to design and build a device of articulated geometry has been developed that allows calibrate the acoustics of the space, depending on users reception needs. The theoretical basis of the proposal is revides from the concept of liquid architecture, which in its foundation seeks to incorpórate dynamic dimensión of time in material condition of spaces. We also examine the variable acoustic term, which deals technically with the verality of sound event in a display of active or passive techniques. Then the research through design metodology is presented, based on the model proposed by Lucien Blessing, which formulates a process from definition of the research criteria until the design and the formal concretion in model construction. Finally, we present the validation design parameters that aim at the continuation of development in a second stage. The objetive will be to model optimize and to improve the transformations of material, spatial and temporal acoustic enviroment, as it has been proposed.

Los gallineros, secadores de maíz, bodegas, caballerizas, etc. del valle central de Chile son construcciones menores que funcionan como infraestructuras que complementan la producción agrícola básica y de pequeña escala que allí se desarrolla con lo cual su resolución, que roza lo arcaico, está desprovista de un germen disciplinar. Estas construcciones, si bien pueden ser la culminación material de una idea, más bien se plantean como la representación en sí misma de un proyecto, en un estado pendiente de resolución, que se ha ido forjando generación tras generación. Esparcidas en el territorio, representan tanto el carácter agrícola de la zona, como la inteligencia desplegada a lo largo del tiempo, determinada por las condiciones geográficas, culturales y sociales, en un contexto de escasez. Si bien tiene antecedentes en las edificaciones residenciales primitivas, se origina como tipo en la reforma agraria, cuando se reparten las tierras en superficies pequeñas que promueven el desarrollo de la agricultura menor. Las construcciones rurales en el valle central de Chile son en sí mismo la representación de su proyecto y, como manifestaciones, representan una actividad comunal, un territorio, un paisaje, un modelo económico, un ideal político.

Esta investigación se centra en el estudio del Monumento a la Partisana que Carlo Scarpa realizó en Venecia entre 1964 y 1968, un basamento formado por 83 piezas de hormigón y piedra que sirvió de base a la escultura en bronce de una mujer yacente realizada por Augusto Murer. El conjunto de prismas se analiza desde tres puntos de vista: el geométrico, con la repetición de piezas iguales y la implantación de una retícula variable en planta y sección; el sistema constructivo, caracterizado por el ensamblaje del hormigón y piedra en cada una de las piezas y, por último, la percepción cambiante del monumento con las oscilaciones del nivel del agua de la laguna veneciana. Scarpa se aleja en esta obra de los detalles más sofisticados o retóricos, a los que nos tiene acostumbrados, para ofrecer un sistema preciso de elementos geométricos puros que expresa la relación entre arquitectura y naturaleza y refleja de un modo poético el paso del tiempo.

En este artículo se analizan sendas alteraciones de la regularidad general apreciadas en los edificios del Centro Nacional de Investigaciones Metalúrgicas (CENIM, 1963) y en el Centro de Cálculo de la antigua Caja Postal de Ahorros (1975) de Alejandro de la Sota. Ambas dan respuesta a aspectos prácticos de su organización, pero a la vez comportan aspectos de significado en cuanto a que se corresponden con la manera de solucionar la relación entre partes heterogéneas dentro de un mismo proyecto. Se incluyen en un mismo estudio ya que se pueden establecer entre ellas aspectos comunes asociados a desplazamientos y solapes entre partes de la trama que no parecen encontrarse en otros proyectos también utilitarios y relativos a programas de trabajo en la obra de De la Sota. Como se indica en anotación al texto ha sido preciso un examen amplio de la composición entre partes fundamentales de otros edificios de programas semejantes para apreciar la singularidad real existente en los aquí considerados. Las particularidades de cada una han invitado a un análisis detenido que nos revela sus aportaciones y el carácter de los espacios por ellas generados.

La reflexión sobre la ciudad vertical contemporánea parece carecer de un soporte teórico que sea capaz de afrontar la densidad, la verticalidad y la complejidad siguiendo un modelo que ponga al habitante en el centro. Los desarrollos urbanísticos, principalmente en ciudades asiáticas, son impulsados por un mercado inmobiliario al alza que construye para especular y no para habitar. Por otro lado, los planificadores, sobrepasados por las urgencias a las que son sometidos, proyectan entornos que siguen los principios de una Carta de Atenas, publicada hace ya casi ochenta años. Es el momento de preguntarnos por una alternativa que sea capaz de abordar la ciudad como un organismo de múltiples capas y dimensiones, que proponga organizar la ciudad en altura de forma más libre, más rica y más espontánea. Este ensayo pretende rescatar los experimentos de las vanguardias de los años sesenta para encontrar estrategias de crecimiento en altura más humanas. De lo contrario, conceptos como comunidad, cohesión social y tejido urbano irán desapareciendo de nuestras ciudades, perdiendo el mayor valor que tenemos como sociedad: lo colectivo.

La revista holandesa de 8 en Opbouw, heredera de i10 fue, desde su creación en 1932 hasta su desaparición por causas políticas en 1943, uno de los últimos reductos de la Neues Bauen. Integrada por los grupos holandeses de 8 y OPBOUW, se mantuvo siempre atenta a las experiencias que se estaban desarrollando en otros países, especialmente la Francia de Le Corbusier, Alemania, la Unión Soviética o Estados Unidos. Por esta razón, acogieron con grandísimo interés las nuevas teorías de reforma de la vida y la necesidad de revisar los modelos de la ciudad decimonónica, entre otros muchos temas. Este trabajo se centra precisamente en la búsqueda de artículos referidos a los espacios verdes o a la necesidad de vida al aire libre descubriendo, no solo la urgencia con que demandaron políticas de higiene y zonas verdes, sino, sobre todo a partir de 1938, muchos proyectos de un altísimo interés paisajístico y urbano, que bebían de propuestas alemanas de los años 20 y de la Nueva Objetividad. Mención ineludible merecen los proyectos del Ámsterdam Bosch, el Plan Verde para Rotterdam o decenas de proyectos de dotaciones para baños públicos, piscinas o escuelas que se presentan.

Este artículo de investigación estudia el perchero que el arquitecto Miguel Fisac diseñó para el vestíbulo de la casa que construyó, para sí mismo y su familia, en el Cerro del Aire en 1956. El acercamiento al objeto se realizará por escalas: en primer lugar se hablará brevemente de la casa como contexto y contenedor de un elemento especial; el paso siguiente será analizar el vestíbulo y la importancia del perchero en la secuencia de recorrido; el tercer apartado se centrará en el propio perchero, en el ensamblaje de todos sus componentes y en su carácter maquinista, otorgado por el movimiento de las piezas; finalmente, se reflexionará sobre el origen incierto del perchero y sobre su deseada permanencia en la memoria colectiva. Este objeto sensible, al interactuar con los usuarios, provoca una reacción de sorpresa e invita al juego. No hay arquitectura pequeña. Como este perchero demuestra, una pieza singular y poética es capaz de cualificar y transformar el espacio.

Poder y Arquitectura han establecido vínculos interesados a lo largo del tiempo, demandando el primero, por voluntad impuesta, la manifestación iconográfica de esta que a su vez representa en sus diferentes estilos el mensaje ideológico requerido. El régimen nazi extremó esta alianza fáustica con una simbiosis simbólica fascinadora en su lenguaje codificado. Albert Speer, el brillante arquitecto del Führer visionario, quedó atrapado en esta atmósfera que cultivaba la idolatría al líder carismático dentro de una visión totalizante. Sirvió de instrumento eficaz en la creación de la arquitectura expresiva del político hasta el punto de lograr fijar en piedra la palabra del poder. Proponemos una mirada desde la Semiótica, como dispositivo complementario de análisis arquitectónico ya que no solo la arquitectura es funcionalidad, sino también expresión, emoción, y, sobre todo, comunicación. Speer alcanza sus mayores logros al conseguir en sus escenografías arquitectónicas un espacio cohesivo en el que la representación del poder absoluto llega al clímax emocional común, destinado a un público narcotizado en la fascinación colectiva. Es la semiótica, aún con sus limitaciones en su necesidad de reestructuración continua para las descodificaciones, donde las ideologías y la circunstancia perturban el mensaje, un eficaz instrumento analítico, entre otros, aplicable al campo arquitectónico.

The article is an argument about the particular way of teaching Projects in the School of Architecture at the University of Talca (Chile), where the territory, the material and the social are united in a thought and a constructive action carried out by the students in their own houses in order to reformulate living in a critical way.

Alike José Ortega y Gasset´s definition of Technique as 'the effort to save effort', Alejandro de la Sota's sense of Technique in architecture consists in that effort before action that allows to overcome incoming circumstance difficulties and obstacles. Considering Nature as a ‘circumstance’ (climate, orography, etc.), Technique turns out to be the mediating tool between human being and a Nature that does not favor inhabiting. Since the second half of the 1950s, his architecture shows its will to emerge from the interpretation and modification of a reality imposed by Nature, taking advantage of the Technique possibilities. The review of three projects made between 1957 and 1984, shows the author´s tenacity and intellectual coherence, and his will to achieve beauty from the constructive truth in various ways: ground modifying and work organization in the case of the Children's Residence in Miraflores de la Sierra; using precast concrete panels solving at once, both the structure and the enclosure of Varela House, or accepting the panel formats determined by the manufacturer of the panels Sheet metal 'sandwich' in the Alcudia houses.

La obsesión por crear un método universal de clasificación ha sido una constante en la historia del arte, la literatura y la arquitectura. Alquimistas medievales, mecenas renacentistas y nihilistas de las vanguardias se vieron envueltos en la quimérica tarea de codificar el mundo a través de dispares taxonomías; en el siglo XX, arquitectos como John Hedjuk o Louis Kahn cimentaron su teoría compositiva en la construcción de un alfabeto propio para cada nuevo proyecto. Un sugerente catálogo de arquitecturas primarias capaz de revelar permanencias históricas como si de las letras de un abecedario primitivo se tratase: la “casa”, el “templo”, el “mercado” o la “torre” construyen una colección de lexemas arcaicos –referenciando a Aby Warburg y su Atlas Mnemosyne– que muestran cómo el mundo puede ser explicado a través de un escueto abecé arquitectónico. Este artículo indaga en uno de esos axiomas, “el puente”, icono que traza las conexiones fundacionales de tres proyectos no construidos: las mascaradas de John Hejduk, el Puente de Rialto de Andrea Palladio y el Palacio de Congresos de Louis Kahn. Con Venecia como soporte físico y onírico, esta terna de proyectos prueba cómo sus creadores reducen la idea de proyecto a un aforismo construido.

El urbanismo neoliberal es un concepto que se utiliza para describir la progresiva privatización del espacio público y la mercantilización de nuestras ciudades. El proyecto CityLife en la ciudad de Milán es un ejemplo de este fenómeno. El artículo presenta la obra Pabellón Rojo del artista Alfredo Jaar, recientemente inaugurado en el corazón de la CityLife, y analiza su capacidad de operar como un proyecto de arquitectura del paisaje, enmarcando el paisaje urbano y entregando a quien observa, una experiencia estética que permite reflexionar acerca de la ciudad que hemos creado. Arte, arquitectura y paisaje se conjugan en esta obra.

En el proceso de revitalización de los paisajes culturales se plantea la necesidad de contar con un sistema de registro documental del territorio que implique diferentes técnicas y formas de aproximación para la comprensión de sus características e identidades. Esta investigación propone una serie de medidas para registrar, analizar y divulgar los valores culturales de la Dehesa del Generalife, un territorio en continuidad con el conjunto monumental de la Alhambra, muy rico por sus recursos arqueológicos, arquitectónicos, paisajísticos, medioambientales y etnológicos, que configuran un espacio de incuestionable valor cultural. La metodología de trabajo supone una estrategia de conocimiento sensible para detectar y dilucidar soluciones de preservación y mantenimiento en lugares de un alto interés patrimonial. La noción de “paisaje cultural” está tratada como un concepto amplio basado en la percepción antropológica del territorio que incluye el valor histórico, cultural y simbólico de los elementos visibles que componen un paisaje y sus relaciones. La investigación parte de la premisa del Plan Director Alhambra que propone una revisión de los conocimientos actuales del monumento desde una perspectiva territorial que supera la idea tradicional de la Alhambra como una ciudad palatina rodeada de murallas para ser entendida en su contexto territorial.

Alison y Peter Smithson en su Diagram of Appreciated Unit (1954) presentan un dibujo sin escala, sin localización, sin límites. Esta es la culminación de su ciudad entendida como tejido relacional. No dibujan ningún objeto sino relaciones de asociación entre distintos entornos y personas. De hecho, este posicionamiento a favor de un espacio relacional abstracto frente al de la composición formal provocará constante fricción entre las sucesivas generaciones desde los años 50 y 70 hasta el momento actual. En paralelo, los Smithson, al reducir la arquitectura a la calle, reclaman un papel más activo de esta en la construcción de lo social. La arquitectura debe construir los lugares en los que las personas puedan encontrarse, celebrar la cotidianeidad de sus vidas, en donde manifestarse individual y colectivamente. Son, precisamente, esta incorporación de lo público y del pensamiento inclusivo a la arquitectura, por un parte, y del entendimiento de esta como máquina relacional y posibilitadora de situaciones, por otra, los dos aspectos que confieren a su trabajo máxima actualidad. Este artículo indaga en las claves que determinan la formulación de ambos postulados a través de su gran herramienta epistemológica: sus dibujos.

La devastación de conjuntos arquitectónicos completos era frecuente en el centro de Río de Janeiro en los años 70. Esas transformaciones traumáticas del entorno construido han provocado el desvanecimiento de la memoria urbana. Las ciudades son un tema recurrente en el entorno de la fotografía, instrumento potente para recordar el pasado. Sin embargo, los libros fotográficos raramente son utilizados como fuente de conocimiento acerca de las ciudades y como medio para rescatar memorias urbanas borradas. El estudio del libro fotográfico Rio que desaparece (1993), de Claudio Bruni Sakraischik, nos ha permitido ahondar en el potencial de este género bibliográfico. El objetivo era constatar cómo ha podido contribuir a impedir el desvanecimiento de la memoria urbana. Sakraischik registró el proceso de transformación urbana de Río en los años 70, mientras se implantaba el metro. La publicación va más allá del plano iconográfico de sus fotografías incorporando textos acerca del desvanecimiento de la memoria, de la historia de la ciudad y la biografía y escritos de Sakraischik. El libro ofrece puntos de partida para acceder a aquel entorno construido y a sus ejemplares arquitectónicos demolidos.

La privacidad ha sido la gran aportación de la burguesía al espacio doméstico y el confort constituye su condición necesaria. El confort representa la piedad de la casa hacia sus habitantes. Este confort doméstico ha supuesto cambios sustanciales en la relación del hombre con los objetos, y no solo en su carácter utilitario sino también en el simbólico. El presente artículo va trenzando, como en una fuga musical, la evolución del concepto de confort con episodios significativos de la conversión atípica de objetos en arquitectura. El objetivo es mostrar cómo el protagonismo creciente de ambos, confort y objetos, requiere un replanteamiento de la arquitectura que vaya más allá de la aséptica invisibilidad a la que se quiere relegar.

The bourgeoisie of the 18th century dreamed of abandoning the traditional compact city, which it considered vicious and pernicious, to colonize a space that it identified with the intrinsic goodness of nature defended by Rousseau and which it visualized as the incarnation of the lost biblical Eden. However, this initiative will profoundly alter the immaculate and untamed condition of the new habitat, which will end up transformed into a sort of fantasy that mixes and confuses the man-made landscapes of the rural world with the authentically wild landscapes of the natural world. Overcoming this confusion is a critical issue that contemporary thinking only began to consider at the end of the 20th century when humankind began to become aware of the inexorable decline of natural areas. This article attempts to point to the intrinsic value of wilderness as something distinctly different from the idea of civilisation by trying to identify contemporary initiatives to intermediate specifically between the two notions -in efforts to safeguard mountain gorilla habitat in Bwindi and in the reclamation of a wetland in the Chinese city of Qunli- and through the conceptual conflict displayed by the High Line project in New York.

La significación de la naturaleza, como referente desde el que Marion Mahony Griffin y Walter Burley Griffin tratan de generar una arquitectura alternativa, deviene de las profundas convicciones de ambos en el ser humano como aquel cuya relación directa con el entorno en el que habita produce una unidad indisoluble. Herederos del pensamiento trascendentalista americano, el interés de ambos por la cultura oriental, y en concreto por el sistema de representación nipón Ukiyo-e, les sirve para desarrollar estrategias proyectuales que condensan conceptos propios de esta disciplina artística, reflejando las características esenciales de la naturaleza no solo de forma gráfica sino también como realidad construida. Los proyectos para las comunidades residenciales de Rock Crest / Rock Glen y Castlecrag, en los Estados Unidos y Australia, son concebidos a partir de las ideas contenidas en los métodos gráficos nipones. El carácter efímero del individuo, en relación con el lugar en el que habita, implica una subordinación de este ante las leyes naturales que lo definen desde la escala urbana, y su implantación en el lugar, hasta la construcción y organización interior de cada una de las viviendas.

Con motivo del cincuenta aniversario del Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, se plantea una revisión de algunas de las propuestas alternativas de ciudad realizadas por el arquitecto Juan Navarro Baldeweg durante su estancia en dicho centro, a mediados de los años sesenta, que parecen adelantarse a algunas de las ideas asociadas hoy en día a lo que se han venido a denominar como ciudades inteligentes. Dichas ideas priorizaban una mayor participación ciudadana en la conformación de la ciudad y el empleo de nuevas tecnologías para el diseño de ciudades más conectadas, eficientes, asequibles y sostenibles.

Se presentan dos casos de estudio que destacaron por la puesta en escena de una simulación ambiental en forma de “sol” y su capacidad para intensificar la experiencia de sus espectadores: el Radio City Music Hall de Nueva York, a principios de los años 30, y la instalación The Weather Project en Londres, 70 años más tarde. El objetivo de sus autores era recrear una serie de efectos para producir una sobreestimulación de gran intensidad. Si bien ambas experiencias pertenecen a contextos y circunstancias muy diferentes, las dos se hacían servir de la tecnología de cada momento para, junto con las características del propio edificio, poner en “éxtasis” a sus espectadores (miles en el caso neoyorquino, algunas decenas simultáneamente en el caso londinense) reunidos ante la representación de un fenómeno natural perfectamente sintetizado, como si se tratara de un atardecer frente a una gran puesta de sol. Sin embargo, estos efectos, envueltos en una sutil manipulación sobre aquellos que están expuestos a ellas, son objeto hoy de controversia, ya que los métodos empleados serán descritos por algunos autores como “agresivos” en tanto en cuanto pueden dar lugar a que ciertos comportamientos, deseos y experiencias se den con mayor probabilidad sin que sus espectadores sean necesariamente conscientes de ello.

Tras el estallido social chileno y restricción por Covid19, el parque San Borja quedaría en desuso. Ante esto, una comunidad reprodujo el parque en Minecraft creando una versión propia: BorjaCraft. Entonces coexisten dos parques en un entorno, separados, pero formando parte de un lugar. Al entrar o salir del espacio, prender o apagar lo digital, la experiencia pública se da entre online y offline. Si las características de espacio online y offline se enlazaran ¿Cómo se ampliaría el ámbito público en un lugar? Esto pone en jaque el entendimiento de lo público dependiendo del espacio o formato dónde se habite.

En el análisis de la ciudad informal, la descripción de las unidades de vivienda suele ser más relevante que la metodología de aproximación. Mientras que las escalas metropolitana y barrial poseen metodologías exhaustivas, los enfoques para la observación de la vivienda, al ser confrontados con la realidad, son insuficientes para abarcar la complejidad de la problemática. El objetivo del estudio es identificar y sintetizar las metodologías utilizadas para el estudio de la vivienda informal a partir de la segunda mitad del siglo XX. Se aplicó la metodología PRISMA para la revisión sistemática de la literatura disponible, que permite identificar artículos relevantes en base a términos de búsqueda. Se filtraron un total de 203 artículos indexados y se obtuvo una selección final de 19 artículos. Analizamos las metodologías de aproximación para identificar los indicadores utilizados por los autores para el análisis de la vivienda informal. El conjunto de indicadores se organizó en seis aspectos y 26 variables, en un cuadro de síntesis de los estudios existentes, que revela los distintos posibles enfoques. En este estudio se observa la complejidad del fenómeno a través de aspectos multidisciplinarios, y se propone una herramienta teórica para el planteamiento de futuras investigaciones.

El Centro Histórico de Matera es declarado Patrimonio Cultural de la Humanidad en 1993 debido a su representatividad como asentamiento de la región del Mediterráneo y simbiosis única entre sus características naturales y culturales. Desde entonces, los Sassi han tenido un intenso desarrollo económico, cultural y especialmente turístico; actualmente, la mayor parte de inmuebles recuperados tienen fines turísticos. A raíz del desalojo de habitantes de los Sassi en 1950, el área histórica ha permanecido casi deshabitada a pesar de las diversas estrategias impulsadas por el gobierno para promover la ocupación. Una de ellas, la ley 179/92 sobre la “Edificación residencial pública”, designaba áreas en desuso del Centro Histórico para implementar proyectos de vivienda. En esa línea, el presente trabajo se centra en el análisis, desarrollo y evaluación del proyecto arquitectónico para el Comparto “E”; desarrollado en 1996 en el marco de la ley previamente mencionada. El trabajo pretende determinar las principales falencias, beneficios y desafíos de esta iniciativa de ocupación de los Sassi de Matera, así como enriquecer el proyecto con alternativas y estrategias que puedan promover su ejecución.

El andamio como herramienta arquitectónica tiene una larga historia vinculada a la producción arquitectónica. En este artículo, se subvierte su rol instrumental para explorar sus posibilidades como elemento de soporte a la construcción, pero también como elemento arquitectónico integrado a la obra. Para esto, se lleva a cabo un estudio de caso de dos obras desarrolladas por el colectivo República Portátil, en las cuales los andamios dejan de lado su función netamente operativa y se constituyen como obras. Se aplica un método de investigación por acción y las conclusiones ofrecen un conjunto de reflexiones teóricas sobre el andamio como modelo teórico espacial donde la reticulación de soluciones permite una amplia versatilidad productiva.

La imagen final de un proyecto oculta, en ocasiones, el proceso de creación del mismo. Un proceso donde las ideas evolucionan, se transforman y se reconstruyen, perdiéndose por el camino aspectos interesantes que no terminan de reflejarse una vez concluida la ejecución. Para entender cuáles son las claves de esos cambios, es necesario revisar los documentos que fueron quedando por el camino, tanto en la fase de concepción como en la de obra. Este aspecto es más relevante cuando el proyecto depende de un conjunto amplio de profesionales donde la toma de decisiones resulta compleja. El artículo pretende mostrar la vivencia proyectual de Gilles Clément, uno de los paisajistas más paradigmáticos de las últimas décadas, en el transcurso del proyecto del Parque André-Citroën a través de sus cuadernos de croquis y de documentos poco conocidos, pertenecientes a su archivo personal. De los primeros bocetos a la propuesta del concurso, el proceso de definición del proyecto y las dificultades en la realización de la obra. Todo ello con la idea de intentar comprender la experiencia vivida por el autor en su primer gran proyecto de espacio público, que se ha convertido en uno de los parques más emblemáticos de París.

En la Triennale di Milano de 1936, el arquitecto Giuseppe Pagano comisarió junto a Werner Daniel la exposición “Architettura rurale nel bacino del Mediterraneo”, en donde realizó un elogio a la arquitectura rural italiana. Pagano desarrolló esta valoración en otros artículos teóricos, fundamentalmente desde la dirección de la revista Casabella, además de en fotografías y proyectos de arquitectura. En todos ellos propuso una mirada hacia la arquitectura rural como obra comunitaria, realizada por unos héroes anónimos, re ejo de la honestidad y la verdad que aporta la tierra. La presentó como un ejercicio estético y racional de primer nivel, conectándola directamente con el funcionalismo de los arquitectos más avanzados del Movimiento Moderno, yendo más allá de las ideas preestablecidas por el régimen de Mussolini. El presente trabajo reconoce las aportaciones más reveladoras de este elogio a lo rural hecho por Pagano, las contrasta con las ideas gubernamentales y las pone en relación con otras valoraciones coetáneas de esta arquitectura, como las desarrolladas por Josep Lluís Sert desde España. Se valora asimismo la continuidad de sus ideas en exposiciones sobre temas similares realizadas posteriormente, como “Architettura spontanea” comisariada por Giancarlo De Carlo y “Architecture without Architects” dirigida por Bernard Rudofsky.

Después de la I Guerra Mundial, se produjo un progreso significativo en el sector tecnológico que se convirtió en el fundamento caracterizador de la modernidad en la arquitectura, no solo por la experimentación material y de producción, sino también por la creación de una estética maquinista. Mientras que las innovaciones tecnológicas penetraban gradualmente en la arquitectura, el mobiliario permitía el ensayo de las nuevas técnicas de manipulación material. En este proceso, la colaboración entre arquitectos y empresas de mobiliario españolas adquirió un papel cardinal en el diseño moderno en el país durante los años 30. A través del análisis de varios casos de estudio, esta investigación evidencia la influencia del trabajo de los arquitectos extranjeros en el diseño de mobiliario español y el papel de las empresas, en colaboración con los arquitectos españoles, como catalizadoras de las nuevas corrientes. Con ello se persigue un único objetivo: mostrar el mobiliario como ejercicio de experimentación tecnológica y vehículo de modernización de la arquitectura.

El pasado diciembre se cumplieron 50 años de la formación del grupo Superstudio. El aniversario se presenta como la ocasión para realizar la revisión de algunas ideas que el grupo planteó a través de la obra teórica gráfica del Monumento Continuo. A través de tres diferentes formatos Superstudio representó un trabajo con connotaciones claramente visionarias, que planteaba la propuesta de un objeto al límite de las posibilidades de la arquitectura. Las tres obras se podrían definir como ensayos entrópicos por: la ausencia de una organización sistemática y lineal de las tres representaciones; la composición, que en el caso de las tres obras expresaría la condición de fragmentariedad; la metamorfosis, el proceso continuo en el cual el monumento, el paisaje, la historia sufren incesantes transformaciones; la inestabilidad e indeterminación de los conceptos de memoria, lugar, forma, función, proporcionan un mayor grado de libertad para actuar dentro de sus bases nunca definitivas. La intención del artículo es establecer cómo la obra facilita instrumentos para una crítica contemporánea, el entendimiento del proceso de continuidad y discontinuidad del tiempo moderno y cómo muchas cuestiones actuales se abrieron justamente en este periodo, que como una bisagra sigue uniendo y agitando ambas duradas.

Este artículo saca a la luz el inédito primer proyecto de PLOT, una propuesta no realizada para una plataforma web de diseño colaborativo en línea titulada Information Technology and Architecture. Su estudio revela los principios teóricos que los fundadores de esta oficina, Bjarke Ingels y Julien de Smedt, establecieron en 2001 para una arquitectura pensada para la era de la World Wide Web, desde el entendimiento del proyecto arquitectónico como un dispositivo relacional hasta su condición global. Vistos en perspectiva, dichos principios parecen haber enmarcado las intenciones y lógicas subyacentes a muchas de las obras realizadas por ambos arquitectos después de la disolución de PLOT en el año 2006. En particular, los planteamientos de la embrionaria plataforma web se manifiestan con nitidez en Superkilen, un proyecto de regeneración urbana construido por BIG en 2013 y que resultó de la congregación en Copenhague de un centenar de objetos de mobiliario urbano procedentes de todo el planeta.

The following paper presents a research project aiming to use artificial intelligence for architectural design and automation processes. The proposed workflow uses the capabilities of neural networks combined with the design of automation algorithms to avoid the repetition of routine tasks. In order to prove the potential appliance of neural networks in architecture, a conditional adversarial neural network (Pix2Pix) is used and trained by the author for the generation of two-dimensional collective housing floor plans. The workflow includes the dissemination of the collective housing complex into individual units, the processing with the neural network and the re-aggregation back into the assembled group. Due to the large quantity of housing floor plans that are needed for the correct training of the network, it has been necessary to automate its process, tagging and storage in data lists. The plans outputted by the neural network are then exported to Grasshopper, where different approximations can be defined through automation processes. Automation; Collective Housing; Conditional GANs, Technology Transfer; Artificial Intelligence; Parametric Architecture.

Desde Zambia hasta Pakistán, pasando por Jordania, los campos de refugiados varían en forma, densidad e (im)permanencia. El campo de refugiados mientras espacialización1 de la protección, constituye una realidad compleja y multidimensional de privación (de derechos) que va más allá de la dimensión política y humanitaria, para extenderse a los reflejos socioespaciales2. De hecho, el campo representa la aporía del aún vigente régimen de protección de refugiados, donde el campo es un medio para llegar a una de las tres soluciones permanentes vinculadas a la Convención de Ginebra de 1951 y respectivo protocolo que, a pesar de agotadas, siguen alimentando el régimen de los refugiados y, a su vez, la creación de más campos. Nos damos cuenta de que los campos en situaciones prolongadas continúan vinculados al paradigma de excepción del espacio humanitario, pero que su permanencia (con) figura un urbano por afinidad3. Una polis latente, que por el hiato político no puede consumarse. Argumentamos, a través de nuestra experiencia de apoyo al refugiado con organizaciones humanitarias a operar en el terreno (2016-2018), que este modelo está cada vez más desfasado con la realidad del siglo XXI, dando lugar a aporías, dilemas y dependencias crónicas, que requieren una nueva lectura y suporte.

En el Perú, como en otros países de Latinoamérica, la llegada de la arquitectura moderna va a aportar una producción material basada en principios formales abstractos, siendo en algunos casos ajena a la construcción de vínculos de identidad o de pertenencia a las realidades específicas. En cambio, la posmodernidad peruana va a tratar de renunciar al formalismo y simbología como característica física para empezar a descubrir la complejidad en su discurso retórico, sobre el cuál se van a construir relaciones con el pasado, no como referencia histórica, sino más bien como referencia cultural. Mediante la revisión de las obras y proyectos realizados por arquitectos peruanos desde la reforma universitaria de 1946 hasta los años 80, se han podido identificar los cambios en la forma de la arquitectura peruana y el conflicto que se mantiene entre el querer pertenecer al lenguaje universal, al mismo tiempo que se quiere ser parte de la cultura local. Entender este proceso de desarrollo de la forma busca no sólo un conocimiento de la historia, sino también dotar de herramientas y reflexiones proyectuales para la producción arquitectónica contemporánea.

During the early morning of September 29, 2006, five teams of volunteers, led by the URO1.ORG Cooperative, carried out a signaling action to draw attention to the Diego Portales Building. Five false posters indicate, by means of an isotype, an arrow and a text, that the Gabriela Mistral Metropolitan Cultural Center is nearby. The posters are an instruction, an invitation to move, discovering a story and activating links that can become a motor for programmatic and spatial changes.

La definición de sitio eriazo ha sido discutida en ámbitos urbanos y arquitectónicos, vistos como remanentes que pertenecen a la trama urbana, pero a su vez, son tangenciales a esa dinámica, el tiempo de desarrollo proyectual en estos vacíos urbanos –forma y programa–, pueden ser indefinidos para su concreción. A su vez, el sitio eriazo –sin uso ni construcción–, suele ser un espacio clausurado en su perímetro que convive con la cotidiana y constante mutación de la ciudad, por lo cual ha sido objeto de variadas intervenciones que buscan integrarlos urbanamente para el goce de la ciudadanía. El presente texto se centrará en discutir intervenciones en sitios eriazos desde su carácter permanente, efímero y temporal en contraste con los actuales proyectos políticos de plazas de bolsillo en la ciudad de Santiago de Chile. De esta manera, el rol del sitio eriazo se entiende como una oportunidad de espacio público desde su afectación multiescalar –local a metropolitana–, las posibilidades para su implementación podrían reducir la desigualdad en la distribución de los espacios públicos en ciudades consolidadas.

Koolhaas is, above all, an interviewer. His interviews contribute to his architectural production as a way of working, thinking and speculating. He approaches these formats as archives to expand the notion of the interview as a meaningful form of knowledge. They are oral archives that are part of the oral history of architecture, a discipline very little theorized and with hardly any conceptualization of the architectural interview. Koolhaas' marathon interviewing work is a vehicle for the production of critical thought where he uses his interviews with a practical, theoretical and critical function; and with this he contributes to the understanding of the essayistic, instrumental and speculative value of oral transmission as a projectual strategy in itself. Koolhaas understands the pulse of change through his interviewees and makes a great effort to find out what architecture will be like if the conditions fabricated by neoliberalism make it irrelevant. This question is crucial in the present moment: the mixture of trying to revisit through interviews what has happened by recoding it and what is happening read unprejudiced, intellectualizing it as an epistemological form and as a tool to be able to work with pressing problems that allow us to face the future with a critical position.