Arte e Investigación

Print ISSN: 1850-2334
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Este trabajo propone analizar la instalación Patrimonio (2003) de la artista argentina Ana Gallardo a la luz de lo que consideramos como giro performativo de las artes visuales. Bajo esta perspectiva, la obra emerge como evidencia de un repertorio de acciones previas que, mediante una serie de estrategias poético-simbólicas, promueve relaciones de proximidad y distanciamiento con la vida cotidiana. En este sentido, esta instalación se devela como un territorio poroso entre disciplinas y materialidades múltiples que se desplazan entre lo escénico y lo visual, transformando las experiencias vivenciales y corporales en material artístico.
 
Taller dinámico de canto colectivo a cargo de Verónica Condomí, Museo JallpaKalchaki de San Carlos, Salta, Argentina. Se agradece la fotografía a Gastón Larreguy
Visita a la cantera de arcilla en las cercanías de San Carlos en el marco del encuentro Barro Calchaquí 2018 (julio de 2018), Salta, Argentina. Se agradece la fotografía a los organizadores de Barro Calchaquí
Barro Calchaquí es un encuentro de ceramistas que concentra prácticas artísticas enraizadas en el valle homónimo. A partir de algunas experiencias describiremos rasgos claves de la cerámica contemporánea local. Para ello, recorreremos un camino trazado por Ticio Escobar (2014) sobre el arte popular que, junto con las manifestaciones concretas de estas prácticas artísticas, aportan a la construcción de una teoría del arte latinoamericano. Descubrimos que el oficio cerámico se practica colectivamente, expone sus procesos constructivos, se ofrece compartido sobre un suelo de rocas arcillosas y está en deconstrucción.
 
A partir de un repertorio de imágenes de portadas de discos de los setenta y los ochenta, se pretende indagar en diversas modalidades de estrategias comerciales utilizadas por la industria cultural. Modos de circulación y de proliferación masiva de imágenes constituyen un imaginario colectivo que instala determinados prejuicios y valoraciones que se convierten en la moral de las sociedades de consumo. Se analizarán imágenes estereotipadas evidenciando rasgos formales repetitivos que conllevan una fuerte carga ideológica y contribuyen a los intereses de venta. Asimismo, distinguiremos una amplia producción solapada que proponen desde sus supuestas desobediencias nuevas formas visuales. Preguntas asociadas a la construcción de género y a las relaciones sexo afectivas son algunas de las líneas interpretativas que surgirán de estas propuestas. La idea es hacerlas evidentes nuevamente.
 
Arpillera exhibida en la exposición Retazos testimoniales. Arpilleras de Chile y otras latitudes (s.f.), Roberta Bacic
Retratos de personas desaparecidas, realizados por sus madres y expuestos en Huellas: puntadas y caminares de la memoria (2018). Fotografía de autoría propia
Pañuelo bordado por Madres de Plaza de Mayo con la frase «Aparición con vida de los desaparecidos» (s. f.), Museo del Bicentenario de Buenos Aires
El siguiente artículo hace un recorrido de diferentes iniciativas populares realizadas por grupos de mujeres latinoamericanas, que han utilizado la expresión textil como una acción política para resistir a la violencia del Estado, así como a la violencia de género. Sus experiencias se articulan con las características propias del textil y con el concepto de memoria, el cual se considera una herramienta para explicar el pasado, dar sentido al presente y generar estrategias futuras de resiliencia de manera colectiva.
 
El artículo expone algunos resultados del trabajo realizado en el marco de la cátedra Fundamentos de la Educación de la Facultad de Bellas Artes, Universidad Nacional de La Plata. El objetivo fue analizar las representaciones acerca del arte y de la enseñanza artística de los y las jóvenes que eligen realizar estudios superiores universitarios del campo artístico, y de qué manera inciden en sus trayectorias educativas. Para ello, se tomaron los trayectos formativos realizados por los y las estudiantes que se inscribieron en la asignatura en el período 2014-2017. En este trabajo, invitamos a reflexionar, a partir de la experiencia de la cátedra, en torno a las concepciones de arte que se encuentran en tensión y las representaciones acerca del arte y de la formación para la enseñanza artística que tienen los y las jóvenes universitarios.
 
En el presente trabajo se desarrolla un análisis historiográfico sobre las nuevas miradas de América Latina y sus aportes surgidos durante el siglo XX. La investigación toma como principales referentes a las contribuciones generadas por Ricardo Carpani y por Tomás Maldonado. Se hace foco en los aportes teóricos, donde ambos exponen sus nuevos modos de comprender el arte de la época y donde plasman cómo este campo se ve atravesado por diversos factores de su contexto histórico. El trabajo tiene como objetivo analizar sus respectivas propuestas y llevar a cabo una confrontación entre ellas, para estudiar sus similitudes y diferencias.
 
El proyecto se propone problematizar el campo de las artes visuales a la luz de su giro performativo, un enfoque que se caracteriza por la asimilación de recursos y estrategias vinculadas a las artes escénicas, en su actualización del concepto de teatralidad. De esta manera, la presencia de los cuerpos y de la acción como gesto significativo opera tensionando el concepto de representación. Así, la obra entendida como proceso extiende y complejiza sus alcances tanto en las condiciones de producción como en instancias de recepción. Se trata de una investigación exploratoria-interpretativa donde considerar la complejidad del fenómeno nos invita a proponer un abordaje transdisciplinario, que compromete el trabajo de cátedras de diferentes carreras de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata.
 
El Diseño es una disciplina proyectual para especificar las características de los sistemas de uso práctico y los sistemas de mensajes visuales y, de esta manera, optimizar su relación con el ser humano. Las convenciones habitualmente referidas como la cultura de un grupo humano establecen un contexto para el despliegue de cualquier proceso de toma de decisiones de diseño, cuyo punto de partida es la identificación y la definición de un problema a resolver. Con base en una experiencia pedagógica universitaria, se analiza la manera de capacitar al futuro profesional del diseño para que pueda alcanzar la autonomía necesaria para generar soluciones novedosas a problemas con poco o ningún antecedente orientando su formación hacia la superación de la aplicación rutinaria de soluciones convencionales preexistentes.
 
El Taller de Publicaciones del Museo de La Plata fue ideado por Francisco P. Moreno como una herramienta para llevar a cabo su ideal de institución científica y autosustentable. Sin embargo, al poco tiempo de abrirse pasó a la órbita provincial y comenzó a trabajar para diferentes oficinas públicas. ¿Por qué podemos afirmar que fue un establecimiento modelo para su tiempo? ¿Qué recursos humanos y tecnologías incorporó? ¿Cuáles fueron sus ediciones y qué características tuvieron? Estas preguntas propiciaron un abordaje realizado a partir de fuentes primarias, como el inventario realizado en 1902, muestrarios tipográficos, publicaciones e impresos, y de los minuciosos registros realizados por el propio director.
 
El presente trabajo indaga la relación del filósofo Theodor W. Adorno con la producción del compositor y director de orquesta Gustav Mahler, en el cruce entre música, tradición y evolución. Se tomarán algunas ideas y citas de Adorno presentes en su escrito «Mahler. Una fisionomía musical», incluido en el libro Monografías Musicales (2008), y otras de Filosofía de la Nueva Música (2003), respecto de la comparación entre Arnold Schönberg e Igor Stravinsky. A partir de esto, se realizará un comentario para aportar y para ampliar otras facetas provenientes del análisis estético y musical de Mahler.
 
Latinoamérica agrupaciones de fotógrafos que combinaron diversos grados de aportes de la fotografía humanista, desarrollada principalmente en Francia, en Italia y en Estados Unidos, con elementos de la fotografía subjetiva alemana. Muchos de estos grupos presentaron características y propósitos similares, en un contexto de época en el que la fotografía buscaba su constitución como disciplina artística con métodos y alcances específicos mediante la afirmación de su propio estatus autónomo. Este trabajo propone indagar las influencias del grupo alemán Fotoform y los preceptos de la fotografía subjetiva propuestos por Otto Steinert, sobre los grupos fotográficos Afal, de España, y La Carpeta de los Diez, de Argentina.
 
El presente ensayo analiza la representación del padre en la producción editorial de tres fotógrafos latinoamericanos: el mexicano Gilberto Chen, el brasileño Gilván Barreto y la argentina Mariela Sancari. Con base en el planteamiento de que la imagen paterna se construye a partir de los afectos del propio fotógrafo, el análisis de las imágenes se articula con el estudio del afecto propuesto por Baruch Spinoza y por Roland Barthes.
 
En el siguiente artículo nos proponemos indagar en las particularidades del afiche artístico desde el abordaje de sus múltiples dimensiones como dispositivo de visualización. Analizar las características espaciales, temporales, relacionales y semióticas del afiche nos permite esbozar respuestas al interrogante en torno al valor artístico de tales producciones gráficas. Se considerará, entonces, el caso de la obra La vida es (2018), del colectivo platense Ilusión Gráfica, presentada en la muestra Un museo como una novela eterna que se desarrolló en el Centro de Arte de la UNLP durante junio y julio de 2018.
 
En Acerca del carácter afirmativo de la cultura de 1937, Herbert Marcuse introduce una crítica a lo que entiende que es función de la cultura y del arte: la legitimación del orden social existente. Invirtiendo la ortodoxia marxista que hace de la cultura un reflejo de la infraestructura, Marcuse piensa que aquella puede producir las condiciones para que las desigualdades se perpetúen. A contrario sensu de los imaginarios sobre el arte culto, pensar la música como expresión universal del absoluto y forma inmanente puede, justamente, antes que oponerse, reafirmar y validar la inequidad alienada del mundo burgués capitalista. En el presente texto intentaremos trazar algunas relaciones entre la formulación marcusiana sobre la cultura afirmativa y los posibles roles de la historiografía musical hegemónica en la aceptación de lo existente.
 
El presente artículo hace un recorrido por la exposición del artista Ai Weiwei (China, 1957), realizada en Fundación Proa, en la ciudad de Buenos Aires. Se describen algunas de sus obras, se enumeran otras, pero, principalmente, se intenta rescatar la presencia de la cerámica en varias de las mismas. En este sentido, no solo nos referimos al carácter matérico, tangible en ciertas obras, sino que también indagamos a través del lenguaje sobre las alusiones y citas históricas hacia dicha disciplina de varias de ellas. El artista es un gran conocedor de las tradiciones, tanto orientales como occidentales, y toma todos los recursos que considera necesarios para plasmar sus propuestas.
 
Este trabajo presenta los resultados parciales de una investigación sobre exposiciones de arte en museos y en centros de arte ubicados en la ciudad de La Plata y Buenos Aires. A partir de la evaluación de dichas exposiciones y de los modos de recepción de los visitantes, se analizan las estrategias expositivas que despliegan los espacios y su relación con las experiencias que logran generar en los públicos. Las muestras que proponen el diálogo y el intercambio con sus espectadores, y que atienden a sus estilos cognitivos, propician la apropiación de un conocimiento significativo. Cuando los museos encaran los diseños de sus muestras pensando en sus audiencias y con estrategias francamente emocionales consiguen causar experiencias memorables en los visitantes.
 
La Tragedia de Cromañón (2008) marca un antes y un después en cuanto a la regulación del funcionamiento de los espacios recreativos en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. En este marco proliferan los centros culturales autogestivos e independientes, actores de la vida cultural y política de la ciudad, que en los últimos diez años se convirtieron en auténticos creadores y transformadores de sentido mediante la creación de espacios alternativos de producción y reflexión multi y transdisciplinaria, no solo artística sino, también, social y cultural. El objetivo de este artículo es presentarlos, caracterizarlos y poner de manifiesto los desafíos que atraviesan en el contexto político actual.
 
La práctica coral ha sido conceptualizada a partir del modelo conceptual subyacente del poder de autoridad y subordinación director-dirigidos, pero de acuerdo a las teorías actuales de la psicología social de la música y de la cognición musical corporeizada podría adquirir una mirada diferente. Con el foco en la historiografía de la práctica coral como práctica colonizada, revisamos histórica y socialmente el modelo cultural del coro y del director. Luego, partiendo de las definiciones propias de la perspectiva clásica, propusimos bases psicológicas para revisar críticamente esa concepción y terminamos discutiendo cómo se fue configurando la práctica coral en América Latina, con vistas a una reformulación de su ontología como práctica de significado desde una perspectiva decolonial.
 
Un breve recorrido a lo largo de los cambios fundamentales referidos a la lectura y la percepción del tiempo y su impacto en los modelos de análisis utilizados en la historiografía del arte, permite dar cuenta de la importancia del anacronismo y el montaje no solo como otros modos de mirar la historia, sino como mecanismos discursivos en la producción artística visual. La apropiación, el vaciamiento, la fragmentación y la yuxtaposición se presentan como operaciones alegóricas asociadas que generan resignificaciones, valiosas alternativas de acercamiento al objeto de estudio y nuevas capas de sentido ante la lectura crítica de determinados acontecimientos históricos y sus correspondencias en el campo de las artes.
 
El espacio de la cuidad se compone, más allá de las estructuras de calles y de edificios, de un entramado de espacios que promueven las relaciones entre las comunidades. En la cuidad de La Plata los espacios culturales autogestivos se presentan como una variable que emerge de las comunidades barriales locales hacia las necesidades de estas mismas. En este artículo se proponen tipologías posibles para la clasificación de los espacios culturales en la cuidad de La Plata y se constituye un conjunto de conceptos que agrupan a estos espacios con relación a la manera como se gestionan las producciones artísticas y se convoca a la comunidad en torno a la exhibición.
 
Este artículo tiene como objetivo delinear estrategias para el análisis de micropoéticas escénicas destinadas a las infancias desde las categorías de género y sexo. Para hacerlo, se desarrollarán los postulados de Judith Butler (2016, 2002) acerca de la performatividad del género como un acto estilizado y reiterado, constitutivo de las categorías generizadas. Serán contrapuestos con la comprensión del teatro para niños como un acontecimiento formativo de identidades. Se destacará su producción a partir de relaciones contingentes entre productores y espectadores que son, por tanto, asimétricas. Finalmente, a modo de ejemplo, se aplicarán las estrategias al caso La bella durmiente contada por una abuela , de Lorena Velazquez y Juan Carlos Fiasconaro.
 
El motivo de este artículo es abordar la obra Quipu Mapocho (2016), de Cecilia Vicuña, artista conceptual chilena, desde el concepto de supervivencia de Aby Warburg. La actualidad de la obra será puesta en relación con los antiguos quipus andinos para comprender las estrategias y recursos formales mediante los que resignifica los mismos. En este sentido, se alojará una concepción temporal anacrónica que entienda el presente de un modo dialéctico, no estanco, sino en relación con aquel pasado que emerge a modo de supervivencia en el arte contemporáneo latinoamericano.
 
Juan Andralis es un referente imprescindible de la cultura visual argentina y latinoamericana. Su figura logró congeniar el surrealismo con el diseño y la tipografía artesanal. En París se vinculó con el grupo liderado por André Breton y trabajó en el estudio de Cassandre. Tras su regreso a Buenos Aires participó en el Departamento de Diseño del Instituto Di Tella, y a partir de 1968 inauguró su propia imprenta: El Archibrazo. El don de la ubicuidad lo puso donde había que estar, con un pie en la realidad y otro en el terreno de los sueños.
 
Este artículo aborda la danza Contact Improvisación (CI) como dispositivo estéticocorporal en tensión con las dinámicas tecnocomunicativas contemporáneas. Puntualmente, el texto reflexiona sobre cómo esta práctica puede considerarse como un dispositivo de desaceleración (Sztulwark, 2014; Berardi, 2014) frente a temporalidades propias del semiocapitalismo contemporáneo; y sobre cómo habilita a correrse del oculocentrismo dominante, al permitir «reintegrar la mirada al cuerpo» (Rivera Cusicanqui, 2015, p. 14) y aumentar su capacidad de respuesta en las relaciones con otres. El escrito expone resultados de investigación de mi tesis doctoral, basada en un estudio situado en Buenos Aires, y concluye esbozando interrogantes sobre la actualidad de esta práctica en el presente contexto de aislamiento.
 
Hora de Aventura, Twin Peaks: The Return y un detector de neutrinos en Japón, el Super-Kamiokande, funcionan como sostén para la hipótesis poética que moviliza este texto: donde hay nada, hay fantasmas. Los argumentos se hacen más tangibles al sospechar que no existe la nada por sí misma, prestando atención y desentramando aquellas condiciones, mecanismos, estrategias y sistemas que generan un efecto de nada. Por último, pone en acción un ejercicio historiográfico que mira hacia los silencios de los relatos históricos canónicos y los documentos para habilitar, allí, la invocación de fantasmas queer.
 
La investigación propuesta busca dar cuenta de un estudio procesual que permitirá sistematizar la experiencia artística en el marco de una perspectiva acorde a las características propias del proceso artístico y de los paradigmas actuales del concepto de conocimiento. Se pretende, así, alcanzar un análisis de la dimensión epistémica de la imagen a partir de una selección temática de casos que posibilitarán indagar en imágenes de diferentes espacios y momentos históricos, las cuales no serán estudiadas cronológicamente sino a través de un enfoque complejo procesual, relacional y situacional del arte, articulador además de los aportes de diversas disciplinas (Epistemología del arte, Estudios visuales, Historia del arte, Estética y Teoría del arte).
 
Los calcos en yeso pertenecientes a la colección del Área Museo, Exposiciones y Conservación del Patrimonio de la Facultad de Bellas Artes (FBA) de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP) son piezas patrimoniales de gran importancia. De este acervo, dos calcos conforman nuestro caso de estudio. Se trata de copias de unas misericordias, una parte que conforma las sillerías de los coros de las catedrales. A partir de la comprensión del contenido de las placas metálicas incrustadas en las piezas, se ha podido iniciar una investigación con la intención de poder hacer nuevos aportes al conocimiento de las piezas y, así, aumentar el reconocimiento de su valor patrimonial.
 
Los tres apuntes, referidos a aspectos de la memoria y la filiación en situaciones posicionadas en el campo del arte, son el soporte fundamental del presente artículo. La redacción de ellos intenta, sobre todo, presentar cuestiones sobre el tema que luego podrían ser tratadas en versiones ampliadas. De allí que los registros viabilizadores de la propuesta sean solo una crítica de Lucas Fragasso sobre una retrospectiva del Di Tella; un documental de Federico Actis sobre un centro clandestino que funcionó en Rosario; y una ponencia de Justo Pastor Mellado que busca aclarar ciertas periodizaciones del arte en Chile. Tras el análisis, ciertos hallazgos: la memoria como un ejercicio y también a modo de un registro de sucesos; la filiación y la construcción de identidad en un cruce nodal con el arte. Por último, una breve consideración sobre memoria y olvido.
 
El presente trabajo recupera algunos hilos que atraviesan la investigación previa de los autores denominada Los orígenes del Diseño en la Universidad Nacional de La Plata, destinada a poner de relieve los hechos y personajes determinantes en la institucionalización de la disciplina dentro de esta casa de estudios. Siguiendo las trayectorias y la trama de vínculos personales entre los profesores Rodolfo Castagna, Daniel Almeida Curth y Héctor Cartier surgen nuevos datos en referencia a su relación con César Jannello y a sus aportes dentro de las instituciones educativas de arte porteñas en los años cuarenta. Hechos que, a la luz de la participación de estos mismos docentes en la creación de las carreras de Diseño de La Plata y Cuyo tres lustros después, no solo demuestran que ambos centros educativos se hallan hermanados en su origen, sino que permiten visibilizar el devenir de las Artes Aplicadas al Diseño dentro de la enseñanza artística nacional, abriendo nuevos caminos en la historia del Diseño en la Argentina.
 
Como ya planteaba Griselda Pollock, actualmente nuestras prácticas y pensamientos generan disonancias críticas frente a la historia del arte tradicional, y es allí donde se nos habilita a «imaginar otras formas de ver y leer prácticas visuales distintas de aquellas encerradas en la formación canónica» (2007, p.141). Nos proponemos, entonces, (re)pensar estrategias y marcos teóricos, que nos posibiliten enseñar contenidos desde otras perspectivas. Intentaremos rescatar archivos de experiencias artísticas atravesadas por los géneros, que promuevan una actitud crítica, expandiendo los límites de la visualidad y generando interrogantes que permitan construir nuevos saberes por fuera de los cánones establecidos.
 
En el siguiente artículo rastrearemos las formas de representar lo indecible en obras producidas a partir de archivo. Para ello, tomaremos como casos A.I.A (Agencia de Investigaciones Artísticas) (2016) y El Camaleón (2011), ambas realizadas por el artista argentino Eduardo Molinari. Las producciones serán puestas en diálogo con los cuatros desplazamientos propuestos por Jacques Rancière en la búsqueda de activar lo político crítico en el arte actual: el juego, el inventario, la invitación y el misterio.
 
En este trabajo deseamos recuperar y excavar en las representaciones de archivo que se desprenden de las voces que frecuentan e invocan modos de nombrar y de resistir las prácticas de documentación de los cuerpos movilizados en acciones poéticas y políticas subterráneas durante la posdictadura. La primera parte revisa y releva la teoría anglófona que reconoce a los estudios sobre performance como campo de acción, mientras que el segundo segmento de este trabajo recupera las voces que protagonistas y testigos oculares del under vuelcan sobre la condición de la práctica indocumentada, las memorias descartadas y otros artefactos lingüísticos a prueba de archivo .
 
En los últimos años, el arte cerámico contemporáneo se hace presente y, de esta manera, habilita otras formas de percepción y se apropia de ámbitos ajenos a él, con anterioridad a la segunda mitad del siglo XX. Focalizamos en las transformaciones contextuales del arte contemporáneo que posibilitan emergencias y desplazamientos de las prácticas artísticas de cerámica en la actualidad. Obras de cinco artistas contemporáneos son muestras de un presente complejo configurado a partir de visibilidades e invisibilidades.
 
En este texto se propone el análisis de obras de artistas latinoamericanos contemporáneos en las que pueden reconocerse supervivencias formales caracterizadas como monstruosas en el encuentro con las producciones de los pueblos que habitaban Latinoamérica al momento de la conquista.
 
El presente texto tiene como objeto describir cómo en el arte se desarrollan temáticas relativas a la violencia, tomando como estudio de caso los libros de la artista juarense Olga Guerra, que se centran en las desapariciones forzadas acontecidas en esta ciudad. Para ello, se refiere primero el estado de la cuestión de este extendido problema en la geografía mexicana en general y del territorio juarense en particular, para luego exponer las estrategias con las que los artistas abordan esta problemática desde la teoría de la estética relacional, en aras de construir espacios que favorezcan las interrelaciones humanas para la reconstrucción del tejido social.
 
En este trabajo se indaga sobre la relación existente entre misión expositiva del museo y memoria, a través de la mediación de las producciones artísticas que representan la violencia del Terrorismo de Estado en la última Dictadura Militar (1976-1983). El caso abordado es la narrativa de la exposición permanente del Museo de la Memoria de Rosario. Se analizan algunas de las obras de arte contemporáneo que articulan la muestra en tanto representaciones que conmemoran y comunican la memoria social sobre el pasado reciente. La recuperación y construcción de ese espacio como museo materializa la violencia política de un pasado que no pasa (Rousso, 2018) y evidencia la exigencia de no olvidar como compromiso social. Se entiende, entonces, a los museos de memoria como herramientas fundamentales de la pedagogía de la memoria (Crenzel, 2016, p. 65).
 
Este artículo reúne avances de la investigación desarrollada en el Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano (IHAAA) de la Facultad de Bellas Artes (FBA) de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP) que examina el proceso de constitución disciplinar de la Historia del Arte en esa universidad entre 1924 y la creación de la carrera en 1961. Se toman en cuenta los planes de estudio, las modificaciones de las que fue objeto la materia a lo largo del período y los profesores a cargo del dictado. El propósito es organizar los datos y la información administrativa recabada para proseguir, en etapas ulteriores, con la interpretación de los fundamentos epistemológicos que caracterizaron la enseñanza de la disciplina para, de esta manera, aspirar a contribuir a la historia de la Historia del Arte en el país.
 
En este artículo nos proponemos indagar acerca de las maneras de problematizar lo político desde lo poético del arte. Vislumbrar lo político en la imagen podrá acercarnos a prácticas artísticas que buscan interpelar al espectador a fin de generar nuevos sentidos, nuevas formas de conocer y hacer visible. Se considerarán los casos Codo a codo 2014, de Rodrigo Etem, y Los sonidos de atrás 2014, de Leticia Obeid, obras presentadas en el marco de la muestra Poéticas Políticas que tuvo lugar en el Parque de la Memoria desde diciembre de 2016 hasta marzo de 2017, la cual fue pensada alrededor de la pregunta «¿qué significa hoy hacer arte político?».
 
El presente proyecto aborda el tema de la investigación en arte a partir del estudio de proyectos de investigación que se desarrollaron en la Facultad de Bellas Artes (FBA) de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP). Se pondrá foco en las estrategias metodológicas que adoptaron los investigadores para abordar sus objetos de estudio. Nos referimos a los recortes temáticos que privilegian, cómo expresan sus problemas, qué tipo de hipótesis formulan, qué tipos de diseños predominan y cuáles son sus propuestas en relación con el análisis de los datos.
 
Este artículo analiza el papel de Grace Morley, directora del Museo de Arte Moderno de San Francisco, durante los años de la política de Buena Vecindad (1940-1943), y, en particular, su intervención en el Comité de Arte de la Oficina de Asuntos Interamericanos (OIAA) como curadora de la exhibición «La pintura contemporánea norteamericana». En este sentido, se analiza la constitución del corpus de la muestra y la perspectiva que esta especialista le dio a la política de intercambio cultural iniciada por el gobierno norteamericano.
 
Real Nazis (fragmento) (2017), de Piotr Uklanski. 14 Documenta, Kassel, Alemania (foto del autor)
Este artículo se propone abordar las relaciones entre cultura mediática y arte contemporáneo en la obra teórica y crítica de Boris Groys poniendo especial énfasis en la idea wagneriana de obra de arte total retomada por el autor. Para ello, a partir de una breve descripción de obra de arte, se introduce una descripción de la categoría y el uso que le da Groys para analizar la cultura del stalinismo, las formas del arte contemporáneo y sus relaciones con la cultura mediática en la actualidad.
 
Neste artigo buscamos refletir criticamente sobre o lugar que cabe à arte que se quer e que se faz política no contemporâneo, na expectativa da emergência de um debate sobre essas manifestações de arte política e, mais especificamente, se elas cabem (ou não) nos espaços disciplinados do museu de arte. Para tanto, tomamos a mostra Arte Democracia Utopia - quem não luta tá morto, realizada pelo Museu de Arte do Rio entre os meses de setembro de 2018 e maio de 2019, como lócus de observação e ponto de partida de nossas reflexões.
 
Este artículo tiene como objetivo delinear estrategias educativas en torno a las imágenes, bajo la perspectiva de la cultura visual. Utilizaré la hibridación de los términos educativo, evocativo, cautivo —edu(vo)cautiva— para abordar las experiencias de aprender a partir de la mirada subjetiva de las representaciones visuales y de algunos elementos que las constituyen: la fantasía, la memoria y la seducción. Para ello, se articula la potencia edu(vo)cautiva de las imágenes como estrategia didáctico-pedagógica en el marco de una experiencia de aprendizaje sostenida por la perspectiva educativa de la cultura visual donde se plantea el examen de los límites y las relaciones entre los productos de la cultura popular y el desarrollo de la potencia pedagógica.
 
Se trata de revisar las concepciones canónicas de la modernidad artística latinoamericana desde una perspectiva crítica y situada desde los estudios decoloniales y el hacer en las cátedras Historia de las Artes Visuales III e Historia de la Música III de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. En ambas materias se trabajan contenidos sobre las artes locales, nacionales y latinoamericanas/sudamericanas, en comparación con los movimientos europeos de la modernidad y la contemporaneidad. Este proyecto revisa algunas líneas historiográficas recientes sobre la historia y la teoría de las artes locales y latinoamericanas. Se revisarán, también, algunos casos de producciones artísticas.
 
Estudios pedagógicos desde los años sesenta analizan cuestiones del contexto y su relación con los procesos de enseñanza y de aprendizaje en todos los niveles y modalidades educativas. Es decir, en línea con Lev Vigotsky, concebimos al funcionamiento intersubjetivo, las experiencias culturales, los mandatos hegemónicos, la política y el arte como algunos de los inherentes a estos procesos. Los conceptos de zona de desarrollo próximo, marco de referencia, relación dialéctica entre aprendizaje, avance histórico situado y cultural, que pondera las intervenciones docentes. Relaciones del sujeto quien aprende con otros en donde el aprendizaje no es autónomo validando conocimientos cotidianos, no siempre académicos.
 
Hablar hoy de VIH/SIDA, cuando han pasado 36 años desde la detección de los primeros casos, nos sitúa en un escenario de excepción para reflexionar sobre las posibilidades del arte al abordar un problema social. El impacto del VIH/SIDA ha impulsado una serie de prácticas artísticas a partir de las cuales se denuncia la representación social de la enfermedad. Lo que aquí se presenta es un recorrido por imágenes, obras y acciones cuyo hilo conductor parte de dos cuestiones fundamentales. En primer lugar, el VIH/SIDA como elemento vertebrador de los discursos y, en segundo, el cuerpo como espacio simbólico en el que todas esas miradas confluyen.
 
En este trabajo propondremos algunas reflexiones en torno al concepto de imagen sonora y a sus vínculos con otras formas metafóricas. Lo haremos a partir del análisis de un material pedagógico audiovisual que produce contenidos históricos, sociológicos y educativos en contornos narrativos ficcionales pensados para la televisión: el programa La asombrosa excursión de Zamba, realizado por la productora El perro en la luna, a pedido del Ministerio de Educación de la Nación argentina y emitido por el canal infantil PakaPaka.
 
Las exposiciones de obras tecnológicas actuales corren el riesgo de invalidar las producciones críticas, radicales o disidentes al ser cooptadas por la espectacularidad de sus recursos técnicos. Esto es particularmente grave en el contexto latinoamericano donde el acceso a las tecnologías es causa muchas veces de exclusiones y desigualdades de todo tipo. A partir de la recepción crítica del futurismo por parte de intelectuales como Vicente Huidobro, César Vallejos y José Carlos Mariátegui, nos proponemos reflexionar sobre las proyecciones particularmente problemáticas de las creaciones tecnológicas contemporáneas en contextos expositivos hi-tech.
 
El athleisure es una tendencia característica de la moda del siglo xxi, cuyo principal atributo es el borramiento de límites estéticos. El presente texto tiene como propósito establecer una relación entre esta tendencia y algunos rasgos distintivos de las sociedades contemporáneas, mediante reflexiones derivadas de la filosofía y la sociología de la moda. Así, la cultura hipermoderna, el fitness y los imperativos de flexibilidad, comodidad y exposición se ven reflejados en esta expresión de la moda contemporánea.
 
Nuevas investigaciones y la aparición en los años ochenta de una carta de Marcel Duchamp a su hermana han revivido la discusión en torno a la autoría de La fuente, pieza decisiva del arte moderno y contemporáneo. En este artículo se presenta una revisión actualizada de la discusión con el propósito de ordenar los argumentos, identificar los procesos inductivos presentes y proponer posibles caminos críticos que apuntan principalmente a la construcción de la historia del arte alrededor de un hito, la invisibilización de la participación de las mujeres en ello y los cruces y contaminaciones que determinan la producción artística de una época. El objetivo no es establecer una verdad, sino exponer la documentación existente y traer uno de los hitos más importantes de la historia del arte al presente, como una manera dinámica de reconstruir los relatos que determinan sus sentidos.
 
Top-cited authors
Federico Del Giorgio Solfa
  • Comisión de Investigaciones Científicas, Provincia de Buenos Aires
Nicolás Alessandroni
  • Concordia University Montreal
Guido Amendolaggine
  • Universidad Nacional de La Plata
Federico Anderson
  • Universidad Nacional de La Plata