Armiliar

Published by Universidad Nacional de La Plata
Online ISSN: 2545-7888
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Este trabajo intenta visibilizar los procesos de consolidación y legitimación cultural en la ciudad de Rosario (Santa Fe, Argentina) entre 1930 e inicios de 1940, señalando algunos episodios e interacciones entre intelectuales y artistas que abogaron por una modernidad situada. Además, se analizará la revista Paraná, proyecto editorial impulsado por Ricardo E. Montes i Bradley, por fuera del relato instituido de la historiografía tradicional del arte argentino, que privilegió la escena de la ciudad de Buenos Aires.
 
En esta reseña se sugiere una lectura en clave historiográfica del libro Aby Warburg y la imagen en movimiento (2017), de Philippe-Alain Michaud. La edición castellana de este profético trabajo ofrece una interpretación polémica de la obra warburguiana. Tomando como punto de partida una original filiación entre los inicios de la iconología y las primeras experiencias cinematográficas, Michaud señala cómo las investigaciones warburguianas desembocaron en una teoría sobre el movimiento como forma de investigación. Esta reseña sigue los pasos de tal hipótesis y ofrece una adenda crítica acerca de la función que tuvo, en la obra de Warburg, ese peculiar viaje que intentó poner en movimiento a la historia del arte decimonónica.
 
Este trabajo pretende ahondar sobre el término estilo y los conceptos adyacentes al mismo, a partir de la lectura de Conceptos fundamentales de la Historia del Arte [1915] (1952), de Heinrich Wölfflin, y Estilo [1953] (1962), de Meyer Schapiro. Ambos fueron historiadores del arte que aportaron a la historiografía ya que emplearon y compartieron las siguientes nociones, de manera implícita o explícita, dentro de sus discursos: imitación de la Naturaleza, belleza, influencias de contexto, evolución artística, individuo, personalidad y simultaneidad. Así, se dará cuenta de algunas de las acepciones del término dentro de la historia del arte.
 
El presente texto tiene como objetivo desarrollar la categoría de lo latinoamericano en el arte, a partir de reflexiones teóricas surgidas en el interior mismo de la región, sustentándose en las propuestas de Ángel Guido, Rodolfo Kusch y Juan Acha. Metodológicamente, se buscarán similitudes y diferencias entre los autores mencionados. Se tendrá en cuenta la época en la que se produjeron sus propuestas, en tanto que se considera que los pensamientos forman parte de un clima social, en el cual se comparten ideas y preocupaciones y que los autores pueden haber leído a sus predecesores o, sin haberlo hecho, estar al tanto del trasfondo representacional del momento y a partir del mismo realizar sus aportes.
 
Este escrito analizará el concepto Nachleben desarrollado por Aby Warburg para analizar las supervivencias y reflexionar sobre aquellas formas que se resignifican en el presente. Esta categoría del pensamiento warburgiano nos posibilitará abordar algunas de las problemáticas que emergen del estudio de la historia del arte latinoamericano y contemporáneo, que supone adoptar posicionamientos teóricos anacrónicos y repensar el reparto de papeles centroperiferia en la construcción de teorías estéticas en América Latina.
 
Entre los siglos XVI y XVII, en Europa continental, proliferaron pinturas y grabados dedicados al episodio mítico de Dánae y la lluvia dorada. El elemento que distingue la escena de Dánae de otros desnudos mitológicos es el oro, el cual aparece como una sustancia corruptora. A partir de la particular pintura realizada por Hendrik Goltzius sobre este tema, el propósito de este trabajo es investigar la manera en la que aparece representado el oro en algunos de los óleos del período. Indagaremos acerca del vínculo de estas imágenes con la curiosidad propia de la época por desentrañar el misterio del metal. Desde un tratado alquímico hasta un texto protoeconómico, entre la magia y la ciencia, encontraremos a Dánae siendo evocada para esbozar explicaciones sobre el poder del oro.
 
La conversación con Antonio Pujía nos permitió apreciar la importancia que el artista ha dado al conocimiento técnico de la fundición a la cera, primero, plasmada en su proyecto de una Cooperativa de Técnicas de la Escultura y, luego, a través de su curso de modelado en cera (que aún hoy dicta). Al mismo tiempo, hemos revisitado, a través de su relato, una parte importante de su vida y de su carrera artística.
 
El presente trabajo tiene como objetivo confrontar y analizar, desde un punto de vista historiográfico, las diferentes visiones y concepciones de los historiadores del arte Arnold Hauser y Pierre Francastel. Para la selección particular de estos autores se ha tomado en cuenta que Hauser es considerado el padre de la Sociología del Arte y produjo uno de los primeros estudios enmarcados dentro de esta asignatura. Como contrapartida, se analizarán los estudios realizados por Francastel debido a que el autor genera críticas y aportes significativos a aquella primera concepción de la Sociología del Arte.
 
En el siguiente artículo se realiza un recorrido por la trayectoria del artista plástico Carlos Aragón, se describe y se analiza su actividad pictórica y las ideas que llevó a la práctica en su actividad docente, tanto en su participación como fundador de diversas escuelas de artes visuales como en el desarrollo de su labor artística.
 
El taller Historia de la educación artística en la Argentina del siglo xx: instituciones, agentes, archivos puso en común trabajos en curso sobre diferentes establecimientos y actores en el ámbito de la formación artística en el país. En los últimos años ha habido un creciente desarrollo de investigaciones sobre procesos de institucionalización de la educación artística estudiados desde la historia del arte; sin embargo, aún se encuentra pendiente la articulación de los diversos enfoques en curso. Es en esta línea que el evento se planteó como una instancia propicia de intercambio con representantes de distintas universidades de la Argentina.
 
En la presente reseña se anotan los principales lineamientos del Atlas de botánica argentina (2022), volumen editado por Ampersand que recupera la gestación del Genera et species plantarum argentinarum extenso proyecto iniciado por el naturalista Miguel Ignacio Lillo (1862-1954) en 1913. Con introducción de Carla Lois, el libro se centra en introducir las maneras del desarrollo de la ilustración científica, el rol de las ilustradoras argentinas en la confección de los volúmenes, sus obras, y la vigencia de una práctica visual que tiene su propia genealogía histórica entre las artes y las ciencias.
 
En este trabajo pretendemos reflexionar sobre las primeras apariciones y aportes del arte feminista en la Argentina posdictadura tomando como referencia la exhibición Mitominas I. Dicha muestra tuvo el propósito de impugnar el lugar de la mujer en el arte. Considerada una de las primeras exposiciones en abordar y complejizar esta temática en Buenos Aires durante la década de 1980, resultó pionera en el cuestionamiento y la visualización de la mujer en cuanto constructo social creado desde la antigüedad. Para este trabajo nos valemos de artículos periodísticos y de bibliografía que aborda el tema. Asimismo, tomamos como ejemplo dos obras que buscaron denunciar y romper con la representación estereotipada de la mujer.
 
La labor de la mujer en el mundo de las artes y las ciencias ha sido un tema poco abordado por las investigaciones de dichos campos. Recién en el siglo xx aparece la reflexión sobre el papel de las mujeres artistas desde una perspectiva de género y la teoría feminista. Sin embargo, dentro de esta disciplina, las ilustraciones científico-botánicas, entendidas como arte, permanecen en el limbo de las artes menores o aplicadas. En ese sentido, se asiste a una doble marginalidad. Así, tanto la mujer como artista y productora como aquellos géneros y estilos dentro del arte como el de la ilustración científica y, en especial, de la ilustración botánica de herbarios se presentan relegados a un segundo plano en el marco de la investigación y el reconocimiento histórico. El propósito de este trabajo es proponer la historia de Elizabeth Blackwell, y de su rol central en el marco de los estudios científicos y artísticos del siglo xviii, como paradigma para pensar estas problemáticas.
 
Fantasear una historia del arte hereje, blasfema. Una historia sacrílega, iconoclasta, que pervierta la intocable madona con el niño, la niña, la madre y la señora, siempre virgen, santa, sumisa, entregada, sometida. Desear una historia del arte sucia, pornográfica, degenerada, que desborde, deforme, travista las ficciones somáticas administradas por la escritura cis, heterosexual de la blancura académica. Ansiar una historia del arte hacker, cyborg, protésica, que desmonte la relación histérica y carnal entre imagen y poder. Pulsar una escritura de la historia del arte cuir como resistencia a la normalización, contra el dogmatismo del lenguaje académico.
 
A través del estudio de un caso se buscarán conceptos de diferentes autores que permitan reposicionar al investigador para formular nuevas preguntas para el corpus de documentos encontrados. Apuntará a generar un diálogo polifónico que le dé amplitud y que evite llegar a preguntas sin salida, potenciando las instancias de interpelación entre el historiador y las fuentes. Se utilizará la investigación referida a Jorge Romero Brest en el campo uruguayo como plataforma de cuestionamientos y reflexiones, para generar una apertura para poder visibilizar el proceso interno que atraviesa el investigador a la hora de acercarse al objeto de estudio.
 
La historia del arte, escribió André Malraux (1951), es la historia de todo lo que puede ser fotografiado. A mediados del siglo pasado, el uso expandido de la fotografía y del cine en la historia y en la crítica del arte invita a rever cómo los discursos de estas disciplinas fueron adaptándose y, sobre todo, explotando las posibilidades expresivas de soportes eminentemente (audio) visuales en detrimento del medio escrito tradicional al que habían permanecido asociados, en gran medida, desde su origen en los escritos de Plinio el Viejo, Giorgio Vasari y Denis Diderot.
 
En el presente artículo nos proponemos reflexionar y abordar los vínculos posibles entre los teóricos latinoamericanos Rodolfo Kusch (Argentina) y Ticio Escobar (Paraguay). Estableciendo relaciones entre algunos conceptos en sus escritos (como la representación o el debate forma-contenido), intentaremos ahondar en los puntos en común entre las concepciones estéticas de ambos autores de nuestra Patria Grande. De este modo, se pretenderá divisar nociones acerca de los contenidos propios de lo artístico creacional, que no son sometidos a las nociones (extranjeras y fundamentalmente europeas) preestablecidas, sino que las reutilizan y reformulan y echan luz a aquellas potencialidades resguardadas, que desde estas otras ópticas permanecen sombrías y hasta intimidantes.
 
La historia del arte se encuentra signada por una serie de alteraciones y de transformaciones que configuran su fisonomía. Podría afirmarse que la misma no constituye sino la suma total de esos cambios. Tal desarrollo acompañó la búsqueda de la diferencia como elemento constitutivo. Así, desde la propuesta teórica de Arthur Danto, la historia del arte habría finalizado una vez que la experimentación arrojó su definición específica desde la filosofía; mientras que para el enfoque de Gilles Deleuze la historia del arte no es más que el conjunto de condiciones del que es necesario huir para la creación de lo nuevo, es decir, lo diferente. El presente ensayo busca articular dos lecturas disímiles bajo una problemática común: el concepto de diferencia como constitutivo del arte.
 
Si bien en los últimos decenios se dio una renovación de la musicología, los tópicos del positivismo constituyen aún el centro de los manuales y propuestas curriculares de historia de la música. Esta historiografía se ha vuelto hegemónica y ha demostrado gran resistencia en comparación con otras disciplinas históricas. La explicación habitual es que existe un retraso disciplinar: el positivismo llega tarde a una musicología aislada en sus problemas. Intentaremos aquí una explicación alternativa apelando a que dicho paradigma habita en sus propios artefactos: en particular la obra/objeto y el estilo. Propondremos, así, la existencia de un positivismo específicamente musicológico y consideraremos, además, la posibilidad de que su hegemonía descanse en razones ideológicas antes que metodológicas.
 
Sin duda el significado de las obras de arte ha sido siempre un desafío para los historiadores del arte. Vislumbrar la mentalidad de los hombres que produjeron las obras del pasado, poder aproximarnos a su verdadero y original significado, requiere de un profundo conocimiento tanto del contexto histórico, económico y social como de las creencias, ideas, etcétera de la sociedad que las produjo. En este sentido, el presente trabajo tiene como objetivo ofrecer un resumen de las interpretaciones iconológicas disponibles en la bibliografía, acerca de la iconografía que tematizan tres piezas de la colección de calcos de la Facultad de Artes (FDA) de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP) en función de ajustar las atribuciones existentes.
 
En la siguiente entrevista se realiza un recorrido por la vida de Fernando García Curten, quien expone el desarrollo de su proceso creativo, sus afectaciones a partir del hecho artístico y la relación que mantuvo con sus referentes. García Curten trabaja sus dibujos y sus esculturas con la intensidad característica que atraviesa el arte argentino. Su obra es contemporánea al movimiento de la Nueva Figuración, y encuentra gran apoyo e influencia en Luis Felipe Noé. El artista nos relata su historia desde su Casa Museo, en San Pedro.
 
En el presente artículo se realizará un análisis de un corpus de obras de la artista trans Elizabeth Mía Chorubczyk (1988-2014), también conocida como «Effy Beth», considerando las relaciones que éstas articulan con la historia del arte y con las narrativas institucionalizadas de los feminismos. La obra de Effy constituye un complejo dispositivo de construcción y de acceso al pasado donde, a partir de la cita a artistas mujeres cis y feministas, principalmente europeas y estadounidenses, y de la estrategia poético-crítica de retomar temas y procedimientos artísticos trabajados por las mismas, se tensionan los límites de dichas narrativas para señalar las mecánicas de poder cisnormado que operan en los relatos de la historia del arte.
 
El presente trabajo tiene como objetivo analizar una serie de discursos en torno a la obra y a la figura de la artista Graciela Sacco, en relación con el desarrollo de prácticas artísticas feministas en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y siguiendo los estudios realizados por Andrea Giunta sobre el tema (1994-2018). A tal fin, se estudiarán diferentes casos en los que se ha tomado como ejemplo su obra o se la ha vinculado con prácticas artísticas feministas, y se incorporarán debates actuales —recuperados a través de notas y posteos en redes sociales— como parte importante en la construcción de nuevas miradas sobre la obra de esta artista.
 
La categoría de copia en el ámbito artístico ha estado sujeta a una extensa y compleja multiplicidad de definiciones. El objetivo de este artículo es analizar una serie de premisas relativas a la construcción de la copia, su relación con los calcos escultóricos y su aplicabilidad a ellos. Se toma como caso de estudio una variedad de calcos escultóricos del David de Miguel Ángel en función de explorar sus particularidades objetuales y materiales y de examinar qué categoría de copia es pertinente emplear. En este sentido, se coteja el concepto de copia, réplica y falso
 
El artículo indaga en las técnicas de montaje elaboradas por el cine, como un procedimiento para la organización formal en la música. A partir de fragmentos heterogéneos que se cortan y conectan han resignificado la forma y el tiempo musical desde las vanguardias del pasado siglo XX. Se analiza el caso del preludio Canope, número diez del segundo libro de Claude Debussy y la incidencia de su concepción musical para nuevas poéticas.
 
p>Este artigo versa sobre o conteúdo imagético de duas cartas com desenhos de Jan Toorop, que fazem parte da coleção pertencente à Fondation Custodia. O texto investiga a capacidade do desenho, no suporte epistolar, de capturar um instante da trajetória do artista. Para além de uma função meramente documental, a ilustração se torna um registro da expressão e criação do artista que a concebeu. Dos cartas: Jan Toorop y el dibujo simbolista Este artículo versa sobre el contenido de imágenes de dos cartas con dibujos de Jan Toorop, que forman parte de la colección perteneciente a la Fondation Custodia. El texto investiga la capacidad del dibujo, en el soporte epistolar, de capturar un instante de la trayectoria del artista. Además de una función meramente documental, la ilustración se convierte en un registro de la expresión y la creación del artista que la concibió.
 
Desde su creación, la Argentina como Estado nación ha dedicado una parte importante de sus recursos culturales a la creación de una identidad social homogénea que permitiera a sus ciudadanos reconocerse como argentinos. Todos aquellos que quedaron fuera del proceso de homogeneización debían ser incluidos de alguna manera. En este trabajo analizaremos la forma en la cual se introdujeron a los pueblos originarios en la historia nacional a partir del estudio de la activación patrimonial de la plaza de la fundación en San Miguel de Tucumán. Nos interesa mostrar el entrecruzamiento de los discursos disciplinares y el patrimonio cultural y su transformación a lo largo del tiempo.
 
Este artículo trata de la representación de la noción de la pampa en la obra de cinco pintores argentinos y en relación con las descripciones de la región de varios novelistas y poetas argentinos de los siglos XIX, XX y XXI. El análisis se basa en la distinción entre los conceptos de espacios y lugares, y en la forma en que estos últimos se constituyen a partir de un centro de equilibrio (Arnheim, 1982). Los cuadros estudiados son Horizonte (1981) y Pampa, (1981), de Miguel Ocampo; Un potrero (ca. 1900-03), de Ángel Della Valle; Paisaje, de Enrique Policastro; La chacra (1950), de Raúl Soldi; y La tropilla (1954), de Florencio Molina Campos.
 
El presente artículo analiza un relato de viaje ilustrado aparecido a fines del siglo XIX del militar, político y escritor argentino Filiberto de Oliveira Cézar. Se trata de Vida en los bosques Sud-americanos. Viaje al oriente de Bolivia, publicado por primera vez por la casa editora de Jacobo Peuser en 1891 y reeditado en 1893. A través de sus páginas se aborda la producción de textos e imágenes vinculada con una expedición científico-militar realizada al Chaco paraguayo y boliviano en 1879. Por esta vía se develará la compleja trama en la que se mezclan las vivencias del autor —el protagonista del relato—, sus motivaciones políticas, históricas y científicas, y las modalidades históricas y culturales que utilizó para comunicar las experiencias. Por último, se examina el papel de las imágenes dentro de la configuración discursiva y la representación del territorio y la otredad.
 
El siguiente artículo pone en discusión la intencionalidad del sincretismo religioso presente en la evangelización de México en el siglo XVI. En la simbiosis particular que se produce entre los elementos prehispánicos y la arquitectura europea cristiana, ¿puede hablarse de una disposición consensuada de estos elementos, es decir, autorizada por los frailes, o más bien evidencia un acto de rebeldía de los nativos para resguardar su cultura y creencia? Como caso de estudio fue seleccionado el registro fotográfico de cuatro piedras con relieves prehispánicos empotradas en cuatro edificios cristianos de Cuautitlán, Huaquechula, Cholula, y Tzintzuntzan. El escrito pretende ampliar el término sincretismo y explorar sus diferentes maneras de manifestarse en el periodo delimitado.
 
Este texto es una reseña del último libro de Andrea Giunta Feminismo y arte latinoamericano. Historia de artistas que emanciparon el cuerpo. Su segunda edición salió en 2018 a cargo de Siglo Veintiuno. A través de un comentario de cada uno de los capítulos, mostramos la actualidad de este libro y su importante contribución a la historiografía del arte latinoamericano. Lo hace deteniéndose en las obras de arte que entre los años sesenta y ochenta presentaron una comprensión distinta del cuerpo femenino, como espacio de expresión de una disidencia respecto de lo establecido socialmente.
 
En esta reseña se presentan los principales aportes de la investigadora Cora Roca para la revalorización de la figura de Rodolfo Franco (1889-1954), considerado el primer escenógrafo argentino. Se propone un recorrido por dos textos de la autora -Rodolfo Franco: el fundador de la escenografía argentina (2016) y Rodolfo Franco: escritos sobre arte y escenografía (2018-) para finalmente delinear un panorama general del ambiente teatral porteño de la época. La lectura de ambos libros resultará complementaria para revisar la labor de Franco como un escenógrafo fundacional ocupado en su práctica en lo nacional, pero combinada con una formación y visión meramente europeas.
 
A fines del siglo XIX y principios del XX el modelo estilístico-formal utilizado en la historiografía del arte hasta el momento, comienza a ser cuestionado y problematizado por el historiador alemán Abraham Moritz Warburg (1866,1929). A partir de esta figura el presente trabajo que tiene como objetivo la realización de una reflexión historiográfica relativa a éste historiador alemán y, más específicamente, al concepto de Pathosformeln acuñado por el autor.
 
La entrevista que presentamos recorre los procesos a través de los cuales Diego Schissi trabaja en sus composiciones musicales con los materiales sonoros, en diálogo con el género tango. El pianista y compositor argentino forma parte de una nueva generación de artistas que dio un aire fresco a las músicas urbanas rioplatenses, desplazándose de los lugares comunes del tango, en lo que podría vincularse al modernismo piazzolliano, pero con un sello propio y novedoso.
 
Frente a los importantes cambios que se producen en la Argentina a principios del siglo XX se originan debates en torno a lo nacional y se proponen ideas para generar una conciencia histórica capaz de lograr la integración nacional. Ricardo Rojas postula una doctrina de la argentinidad sustentada en la enseñanza de la historia y en un desarrollo estético propio, otorgando así un lugar de primacía al arte. En este trabajo indagamos sobre las relaciones de transtextualidad presentes en el Silabario de la decoración americana (1930) donde el autor fundamenta el renacimiento del alma nacional en la creación artística, fruto de la fusión entre motivos decorativos indígenas y técnicas y herramientas europeas en suelo americano, lo que da origen a un arte euríndico.
 
El surgimiento de nuevos enfoques sobre la historia del diseño en los últimos veinte años requiere repensar aspectos de su enseñanza, algunos de los cuales implican reflexiones historiográficas. Para tal fin, se exploran los criterios para la periodización histórica y para la jerarquización de los temas considerados relevantes para el estudio de la materia, así como la bibliografía más difundida, en la que podemos detectar posturas que han dado formato a los abordajes más frecuentes de la historia del diseño, y publicaciones más recientes que abren nuevas perspectivas de estudio. A partir de esta exploración, se concluye con un análisis de los aspectos que jerarquizan la función que desempeñan las materias histórico-sociales en la formación profesional de los diseñadores.
 
En la década de 1940 el pintor Jorge Larco inicia una trayectoria como historiador y crítico de pintura. Durante el auge editorial argentino sus textos se publican en colecciones de libros sobre arte de las firmas Poseidón, Futuro y Losada; en 1964, completa el encargo de una historia de la pintura que se publica en Madrid y, años después, colabora con la colección Pinacoteca de los genios. Entre las condiciones que posibilitaron esa práctica de escritura focalizamos en las modalidades asumidas por la producción de libros sobre artes plásticas en la Argentina y en la imagen del pintor erudito como estrategia identitaria. Sostenemos que la figura de autor en los textos de Larco se construye entre la posición del testigo privilegiado y la del estudioso y, en consecuencia, sobre dos modelos de autoridad: la experiencia del viajero y el conocimiento de los libros.
 
Para contribuir con las historiografías futuras transcribo una entrevista que realicé en enero de 1994 al artista Julio Paz, quien se encontraba en Buenos Aires visitando a su hermana, la grabadora Hilda Paz. El artista, reconocido en el exterior, había sentido su carrera truncada en el país por la censura y por la persecución de la dictadura, a pesar de haber obtenido el gran premio de honor. Y con la humildad de un grande se alegró de que me interesara por su obra, que formó parte de mi objeto de tesis de posgrado. Pero la entrevista nunca salió publicada en el boletín del instituto por haberse suspendido su edición al cabo de diez años.
 
El presente trabajo se propone explorar la recepción de Wilhelm Worringer en Latinoamérica durante los años cincuenta a partir de los escritos sobre arte de Marta Traba y Romualdo Brughetti. Veremos cómo, a pesar de diferir en sus posiciones respecto de la modernidad artística y el nacionalismo, ambos autores recurrieron a la obra del historiador del arte alemán en busca de categorías capaces de sustentar sus ideas. A través de estas apropiaciones estratégicas, el pensamiento worringeriano se vio reactualizado en un contexto de intensos debates acerca del lugar del arte latinoamericano en el escenario internacional.
 
Este trabajo parte de la propuesta del historiador argentino Abraham Haber (1924- 1986) acerca de que las marcas de ganado expresan inconscientemente un trasfondo mítico y que están conectadas con imágenes de otras latitudes y épocas, y relacionadas con ritos y símbolos de fecundidad, vitalidad y sexo. Aquí se propone avanzar sobre la pregunta de si es posible establecer este paralelo simbólico entre las marcas de ganado (utilizadas, en América, desde la época colonial) y las imágenes de otros momentos y lugares. Al mismo tiempo, se pretende clarificar acerca de qué tipos de usos se les daba fuera de la función identitaria para la que fueron creadas.
 
El artículo propone una revisión sobre la producción de Xul Solar (1912- 1924), incorporando aportes de las distintas corrientes que componen el campo heterogéneo de la llamada ciencia de la imagen. El desarrollo parte de la premisa de ubicar a la imagen técnica en el centro del análisis —sus usos, manipulaciones, reformulaciones de las imágenes extrartísticas en la obra de artistas modernos relevantes—, para esbozar las complejas movilidades entre los campos artísticos y científicos a principio del siglo xx. Para ello se dispone una metodología cercana a la iconografía crítica y se privilegia la recuperación de una mirada técnica moderna y de estrategias de montaje que se expresan en los dos paneles que corren paralelos al texto.
 
Top-cited authors
Martín Eckmeyer
  • Universidad Nacional de La Plata